牛人水墨素描帅哥美女

① 吴宪生的人物生平

吴宪生(1954—),宁国市人。中国美术学院成人分院院长、中国画系教授、着名的中青年画家。从小学到中学，吴宪生就显示出绘画的天赋。中学毕业后上山下乡，但仍画笔不辍，拜师学艺，致力于油画创作。1975年进入浙江美术学院学习，1978年大学毕业，因成绩优秀，被留校工作。浙江美院招收文革后首届研究生时，吴宪生有幸进入着名中国人物画家方增先、舒传曦及顾生岳教授的人物画研究生班深造。在导师的悉心指导下，他如饥似渴，潜心创作，无论绘画理论，或者创作技巧，悉心掌握，深得导师赞许，其作品《思》被中国画协选送日本参展。毕业后，方增先教授留下他给自己当助教。此后，吴宪生在中国水墨人物画的教学和创作中辛勤耕耘，取得了令人注目的成果。
吴宪生从给方增先教授当助教始，就致力于中国人物画造型基础课的教学及人体艺术探讨和研究，其成果在全国美术界引起了较大影响。吴宪生在教学和创作实践中，一贯主张借古开今，融贯中西。他一方面努力学习和继承中国人物画的真谛，从传统艺术中吸取养份，可又不满足于中国传统绘画技法；另一方面，他吸收西方素描方法和现代绘画技巧，将其揉合，为我所用。1986年，国家教委召开教育研讨会，吴宪生的教研成果得到与会专家的肯定，并在全国艺术院校教学中推广。
他不仅在实践中狠下苦功，而且不断总结经验。从1987年山东美术出版社和安徽美术出版社出版他的画册《人体线条素描》《吴宪生水墨人体画选》开始，他陆续在国内出版了关于人体素描和水墨人物画集达10多本。台湾艺术图书公司和亚洲艺术中心共出版了他的5本画集，韩国和日本也出版了他的画册和着作。发表教学论文几十篇，参加国内外画展十多次，获大奖多次。1993年安徽美术出版社出版的《素描教学新论》理论着作，可以说是吴宪生造型艺术基础教学和人体艺术研究的经验总结，具有开拓性和领先价值。1993年，他获得了国家教委霍英东教育基金会青年教师二等奖。
由于成绩突出，1992年，年仅38岁的吴宪生被破格晋升为副教授。
吴宪生是在中西文化大交融中成长起来的国画家，他有着丰厚的传统中国画的底蕴，又在接受着西方绘画的营养。他在主攻人体素描的同时，大胆地将中国传统艺术的线条、墨韵之美和西方绘画的色彩之丽，巧妙地融汇到形体的塑造中去，将写实、写意和意象表现有机结合，自成一格，创造了一种崭新的艺术境界的水墨人物画，在中国人物画艺术上具有先锋价值。
他的《女人体素描》《人体线条素描》《头像素描》《水墨人体画》《吴宪生水墨人体画集》等5本画集于90年陆续在台湾出版，在台湾美术界产生了较大影响。有评论说：“吴宪生先生对于人体水墨素描之尝试，开展了人体画创作之可能性，也丰润了传统水墨画之创作，因而，不论就创作或教育之层面来思考，吴先生的创作均深具意义。”
浙江美术学院院长肖峰在台湾《艺贵族》杂志上以《兼容并蓄，继往开来》为题专门介绍了吴宪生的水墨人体画。他认为“吴宪生的人体素描包含着一种明显的民族精神和中国气派。”其原因是得益于吴宪生对中国画的研究，因为他本人就是一个中国人物画的实践者，他将中国画中许多优秀的精华融合到素描实践中去，形成了自己的艺术特色。“气大而有活力，细腻而富于激情，大胆取舍，语言简炼而丰富，用线自如，既有深度又有力度，无论在表现对象，表达感情还是构成画面的节奏等方面都达到了一定的高度。”
吴宪生的《水墨人物画》在台湾一版再版，他的《水墨人物画技法》一书，在东南亚产生了反响，日本、韩国争相出版……吴宪生的名字也被选入《中国现代书画篆刻界名人录》、《中国现代书画家大辞典》。
1992年，他应巴黎绘画界之邀，赴法国和欧洲考察参观，并在巴黎艺术城举办了个人画展，博得了巴黎绘画界艺术家的一致好评。巴黎国际艺术城主席布律诺女士连声称赞：“这是近年来艺术城展出的最好的中国艺术作品。”《欧洲时报》、《龙报》作了专门介绍。接着又在法国佛朗索娃画廊举办了画展。1993、1994连续两年应法国勒阿佛市的邀请，在其画廊举办个展。像吴宪生这样频繁受邀出国办个展的情况，在国内还是不多见的，难怪被美术评论界称之：“吴宪生是水墨人物画领域中的佼佼者。”
他不仅在中国水墨人物画上独树一帜，而且在山水画创作上也有自己的个性：即有传统技法的师承，又有现代手段的运用，泼墨、泼彩相得益彰，大气磅礴又不失精烈，气韵贯通，水墨淋漓，在墨团中发挥出各种形式。
现已担任成人分院院长，又是研究生导师的吴宪生仍没有放下手中的画笔，每天坚持画几张，并撰文着书，吴宪生孜孜不倦地追求，要“让中国水墨人物画成为世界绘画艺术天空中的一颗璀灿的明星。”

② 学化妆如何画素描美人图

1、在画纸妆美人图前，要准备好工具和材料有白纸、铅笔、橡皮、彩色铅笔、黑色彩色笔，如下图所示。

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艺术特点

1、由木炭，铅笔，钢笔等，以线条来画出物象明暗的单色画，称作素描。单色水彩和单色油画也可以算作素描；中国传统的白描和水墨画也可以称之为素描。通常讲的素描多元化指铅笔画和炭笔画。素描是一切绘画的基础，这是研究绘画艺术所必须经过的一个阶段。

2、素描通常采用可于平面留下痕迹的方法：如，炭笔，钢笔，画笔，墨水，及纸张等。轮廓和线条是素描的一般称谓。素描具备了自然律动感。不同的笔触营造出不同的线条及横切关系和节奏、主动与被动的周围环境、平面、体积、色调、及质感。

3、素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像带色彩的绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。

素描题材

1、以肖像和风景为主

素描原是为绘画、雕刻等艺术服务的，后因其流畅、充实和美观，发展成为独立的艺术。其题材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和风景为主，而西方的素描常是人物和静物。

2、日常生活、抽象素描、艺术性建筑素描

19世纪出现了以日常生活为题材的素描。其它还有想象和抽象素描、艺术性建筑素描等。

3、立体派、表现主义、超现实主义素描

（1）20世纪的素描似乎是反映不安、动荡和科学进步的。其中一些以表现线条豪放为特色。还有一些画家试图把生活纳入几何图形中 (立体派)。

（2） 在20世纪各流派中也有X射线式的技法，即同时看到外部和内部。表现主义画家追求"表现一个场面的感情而不是描绘事物的现实外表"，超现实主义者则着重表现潜意识心理。

4、实用性和技术性素描

（1）实用素描要清晰地记载一件客观事物，从总体上说，它不重审美，而突出技术设计。实用素描包括为科学目的而作的插图与说明。很多艺术家作过科学说明的素描。

（2）文学作品中的素描插图，一般是为某段文字描写而作的图画说明，但因它表现了画家特有笔法风格，至今还享有崇高的艺术声誉。与此相关的还有漫画，这是用于社会批评而创作的一种假定性图画。并由此而发展成连环图画，进而演变成现代卡通动画片。

③ 怎样画好素描&水墨画

前辈们早就突破了传统的“墨分五色”，甚至可以用光作画，用水作画，只要形似变幻得体，都会有立体效果

④ 求水墨或者素描风格的女头像 如果有高手能帮我PS一张就更好了 100分哦

这个可以吗请采纳我的谢谢~！

⑤ 阿尼戈尼是怎样用中国水墨画出那么细腻的素描的

他并不是单纯用毛笔来完成的，那种整齐、而且粗细都一样的排线是用羽毛笔、钢笔来完成的，毛笔的主要作用是用来勾线、染色！

阿尼戈尼画素描采用多种材料和不同的手法，他早期的素描以铅笔或意大利铅笔结合炭精笔作画，造型严谨，表现充分，画面完整。到了20世纪50年代，他多用传统的羽毛笔、钢笔和毛笔在浅米色或深灰色的纸上作画，以粗细、长短不同的线条和疏密不一的排列组成画面，这种方法是典型的意大利佛罗伦萨画派的画家们普遍所采用的传统方法——不强调物象的光应明暗、着重刻画对象的结构、体积和空间，特别讲究中间层次的丰富与柔和的变化，我们可以从佛罗伦萨巨匠达·芬奇、米开朗琪罗和拉斐尔的素描与阿尼戈尼的素描做一对照，不难看出他们虽然所描绘的对象不同，但其基本表现手法和对素描的理解是一致的。佛罗伦萨是阿尼戈尼出生、成长和受教育的地方，从小就受佛罗伦萨画派的熏陶和影响，所以阿尼戈尼采用传统的素描技法和形成这样的素描风格也是很容易理解的。

不过他并没有满足和停留在传统的手法上，到了20世纪60年代基础扎实、技巧熟练的阿尼戈尼开始采用另一种画素描的工具和表现手法。他用意大利铅笔结合棕色炭精条逐步运用综合材料和综合技法画素描，他常常先在素描纸上刷上一层淡淡的底色，然后用棕色炭精条勾画出对象的基本轮廓和形体，有时还用水加以渲染，再加几种简单的颜色，有的用不同浓淡的炭精条，也有用水墨淡彩或粉笔，使画面更加厚实、丰富。

阿尼戈尼这一时期的素描充满激情，以充沛的精力和饱满的情绪作画，因此线条奔放流畅，大胆且肯定，一气呵成，生动诱人，既有现代人的气节又蕴藏着传统的内涵和修养。阿尼戈尼采用这种综合技法，使他的素描与他的油胶画一脉相承，是素描过渡蛋彩画、油胶画的最好途径，他的素描艺术的成就是值得我们借鉴和学习的。

⑥ 国外牛人的那些超写实素描是用什么铅笔画的

用一些普通的铅笔，只是加进去一些炭铅来作画，还有些是用刷子刷，用的是一种粉末状很细腻的有色颜料。

素描，广义上的素描，涵指一切单色的绘画，起源于西洋造型能力的培养。狭义上的素描，专指用于学习美术技巧、探索造型规律、培养专业习惯的绘画训练过程。

简而言之就是单色画。却又不尽然，毕竟素描涵盖与牵连的东西太多，解决的问题也太多，素描过程是同一时间要考虑许多问题的综合思维活动。当今美术院校各专业都把它作为基础课，虽然各专业的侧重点不同，油画重体积、调子，国画重线条，版画、设计重结构等；但素描的共性是差不多的。同时，素描作为独立的艺术种类，自有其独特的艺术价值，当然，专门的素描艺术家并不多，大都是兼职者，如诸位大师们，他廖寥几笔的创作草稿就已经价值不菲，你根本不用分是基础性强的速写还是独立的艺术品。这些即便看似寥寥几笔的素描作品，其后面的功力也非常了得，有时随便一条起伏弯曲的线条，体现的却是艺术家对形体、结构、特征、节奏、韵味、艺术史的深刻理解与掌握。

关于“超写实”，它是属于写实的范畴的，是更进一步的写实，更惊人的再现。最近，也出现了所谓“超写实”的素描作品，但好像更像是黑白照片，更像是一种带有观念性的特殊的艺术形式。现在，对何谓“超写实”的素描定义还不是很一致，字面上讲是“超级写实”，它和写实的最高境界是完全一致的，但实的点不一定一样，因为每一个人认为的“真实”肯定是有微小的差别的。一幅写实性素描作品只要在所有因素都照顾到的情况下，在个别点上（比如黑白、空间、比例等等）有重点、独到的侧重就应该算是“超写实”的作品了。

⑦ 好看的漫画人物图，越多越好，不要油画素描水墨，用来画画，谢谢各位

⑧ 油画,水粉.素描.水墨.水彩.墨彩 的特点

这些画种由于工具材料的不同画法不同所产生的效果也不同。

油画：以油画颜料为颜料，以调色油为媒介调和，在布上作画。油画由于工具材料的特殊性，容易表现多种风格的作品，且易在作画过程中反复修改，相比其他画种油画面效果厚重、色彩浓郁。
水粉：水粉其实是一种在中国发展迅猛的色彩画种，水粉可以模拟油画效果，又因为水粉相对廉价，广受美术爱好者、初学者等使用，早些年被用以画大的宣传画、海报等，也被称之为广告色，或宣传色。
素描：广义上讲，素描包含了很多工具材料和技法，概括的讲素描着重表现的是除了色彩关系（色彩冷暖关系、纯度关系等）的所有其他关系，如空间、构成、透视、明度、结构等，从字面可解释为“单色的绘画”或解释为“不体现色彩的画”，被作为重要的美术基础知识学习。
水墨：即为国画、中国画。中国画是中国传统的绘画，历史悠久，有写意、白描等画法，国画中更注重的是神韵的把握，这点区别于西方绘画，西方绘画多注重于型的理解和把握。中国画中的色彩也是只起到点最画面的作用，而不是利用色彩体现色彩关系，这点也与西方绘画有着明显的不同。
水彩：起源于西方的画种，由于水彩携带方便、可以快速概括画面效果等优点，起初被画家用于作画前期的草稿制作，后被发展为一门独立的画种。水彩画面特点清淡、简洁、明快，要求画水彩时一气呵成。非常适合光感的表现～
墨彩：这个没太研究过，应该是和国画大致相似的画法吧。

除水墨画外，其他画种均属于西洋画种，只有水墨画是中国画。

⑨ 把中国水墨画法与素描画法结合起来的画家是谁

中西绘画的审美差别及相融合的成功代表

中国画是二维空间而西方绘画是三维空间。是世界上的两大画种，有相同之处，同时也存在很大区别。其中在表现形式和艺术形式上的区别主要有三条因素。
一、 中国画是二维空间而西方绘画是三维空间。所谓二维空间是中国画以线条与黑白为主体色调，是平面的艺术。点、线、面、黑白灰是一幅画的主要构成。笔墨纸砚一直是画家书法家的书写工具，至今已有两千多年的历史。中国长期处于封建社会，以农业经济为主体所以相对稳定。无论美术、音乐、文学都行成了自己的审美体系。绘画演进与发展体现了文人、士大夫的审美需求。历代画家笔墨运用所画的物象均用线条勾勒。而书法更是用线条在纸上的变化组成一种形式美。东晋画家曹布兴，唐代画家吴道子的用线被称作“曹衣出水”“吴带当风”就是对线条发挥的极致写照。晋代书法家王羲之以及后来的唐宋八大家均是用线高手。画家更是大家辈出，奇峰相望。
中国诗、书、画融为一体。“知白守黑”白纸的空间是画面的组成部分。面对万朵桃花如何取舍？苏东坡有诗云：“触目横斜千万朵，赏心只有两三枝。”均是画中提炼二维空间的容量与内涵。
二维绘画的特点是：1、平面构成不受时空的局限。2、散点透视，点、线、面、黑白灰是一幅画的主要构成。
西方绘画三维观念的形成同他们的思考和观察事物的方法有关。由于工业革命在西方兴起，西方绘画也一直沿着科学的轨迹向前发展。凡事要有科学依据。绘画强调体感、量感、光影、解剖、透视等。以远、中、近、形、光、色为绘画要素。文学、音乐是立体的多角度的反映社会，描写人生，在艺术作品上使人情、人性、爱情等永恒的主题得到充分的发挥和发扬。西方的绘画与雕塑在文艺复兴时期达到了鼎盛。其代表人物如达芬奇、门采尔。雕塑家米开朗基罗、罗丹等，他们创造了史前的辉煌，几百年过去了，其艺术高峰难以超越。
西方的交响乐也是立体的。一个乐章有主旋律、背景音乐、有和声、和旋的渲染与烘托。这一切构成了西方艺术的审美与和谐。
二、 中国画是意象，西方绘画是具象。
鲁迅有句诗最后两句是：“原乞画家新意匠，只研朱墨做春山。”道出了中国画的本源与真谛。中国文人深受儒家思想及老庄哲学的影响，更注重神采为上，形质次之的创作方法。也将就是说“神”是第一位的，因此更崇尚“似与不似之间”以及“神性兼备”的创作理念。这些观念给绘画者带来很高的难度。除去绘画本身的技巧外还要提高自身的修养，文学、史学、哲学、美学都要达到很高的水准才能把握作品的质量和内涵。
老庄哲学的核心思想是提高修养，自我完善，独善其身。魏晋人兴隐士之风，如阮籍、竹林七贤、陶渊明等。绘画也随之提出五条标准：一是庙堂气；二是山林气；三是书卷气；四是井市气；五是世俗气。这五条标准绘画之外的修养占着很大的比重，所以历史上有成就的画家多是学者，书写绘画只是他学识修养表象的一部分。厚积薄发、博观约取。同时他们的经验流传下来，传承下去，使之生生不息。
中国的国粹京剧有许多因素采用写意的手法完成时空的转换。如舞台天幕代表无限空间，演员做个手势便开了门，手拿马鞭在台上转了两圈便行程万里，其脸谱、服装都有写意与夸张的成分。这些艺术形式符合中国人的审美习惯，相反把真实的道具搬上舞台就会大煞风景，世人啼笑皆非。
意大利的画家郎士宁曾试图采用写实的手法画了许多中国画，物体生动，形象逼真是康熙时代的宫廷画家也名噪一时。但他的画法同中国画传统的笔墨相差甚远，所以很少有人追随，更不用说流传下来。
中国画的写意特点是：
一、 强调神韵，不求形似的意象思维。
二、 以虚代实，启发联想空间精微尽广大。
三、 中国画主观因素多，西方绘画客观因素多。
按着西方的绘画理论，线是不存在的。人们眼中看到的线只是物体面转折和体积的压缩所产生的视觉形象。而中国画把线条单独提炼出来作为绘画的主要手段。这不能不说中国绘画带有很强的主观色彩。中国画不受时空的制约，恣意纵横。超以象外中的心源。在西方绘画理念看来中国画是不合理的甚至有不科学的因素。在中国画家看来是允许的，合法的。但中国画受工具的制约、写实的功能较弱，尤其是人物画，自晋唐彗星一闪逐渐走向衰落。直到近百年来一些学者引进西方的教学方法，给古老的中国绘画注入新的活力。
西方画家追求写实功能，强调真实感受。是立体的多维的创作方法。达芬奇曾在深夜解剖尸体研究每块骨骼肌肉的形状，这种求实的精神令人敬佩。雕塑家更是以真人做模特，米开朗基罗的大卫雕像如活人再生，每根血管都仿佛流淌着鲜红的血液。
十八世纪，俄罗斯美术教育家契斯恰克夫总结了一套完整的教学体系。画家更着眼于文学，历史等重大题材的创作，使绘画走向了政治舞台。
随着科学的不断进步，照相机、电影、电视的出现给西方写实主义的绘画带来前所未有的冲击和挑战。他们的写实功能逐渐被机械所取代。所以画家把眼光投向东方，从中国画的线条中寻找出路。从尼采的哲学理论中解脱困惑与迷茫。继马蒂斯、毕加索之后各种流派理念先行流星一闪，表现主义、印象主义、超现实主义出奇制胜，不一而足。
每种艺术都有其长处也有短处，从某种意义上看，短处又是长处。世界上没有落后的民族只有落后的经济。世界上也没有低劣的画种，只有低劣的画作。艺术没有绝对的高低对错之分，只有不同民族有他们自己的审美习惯和不同的文化背景与不同的表现方式。但人类对美的追求是共同的，对美的事物是共享的。
纵观中国画坛，中西画技法相融合比较成功的有徐悲鸿、蒋兆和、吴作人、黄胄。虽然画家已然离去，但他们的艺术作品还依然活跃在现今的艺术市场，并光芒万丈。
当代画家王子和是把文人画揉进素描因素的成功范例。正如着名鉴赏家单国强所评论的那样：“综观王子和先生历史人物画，最显着的艺术特点可以概括为：写实与写意于一体；人物与环境相兼，减笔与工笔的结合。是介乎山林气与书卷气之间的画家。其代表作：国破山河在、陆游、观沧海等，几乎每幅都堪称精品，我个人很欣赏。
总的看来西方绘画近而求新，而中国画远而求好，其大别如此。