一幅美女国画怎么评论

Ⅰ 中国画赏析 能给几句评论么

山水画至少要体现两种态度，要么险峻，要么清秀，看这幅哪边都不靠。
中国画是二维，这幅差一点就是二维半，后边的山和云还应该含蓄点，不然画面太灰。
另外字题的不太是地方，整个画面构图再斟酌一下，有点画散了。

Ⅱ 女画家的评论

在上世纪中国画坛上，男画家的成就似乎掩盖了女画家的光芒。如果以大师级的标准来衡量，女画家显然未能企及。笔者以为，导致这一状况并非是女子的能力不及男子，而是中国女子受传统“无才便是德”的影响，女子在社会上的地位比较低，尤其是在解放前，她们受教育的机会明显少于男性。尽管如此，仍有不少书香门第或大户人家的女子接受了正规的教育，有的还专门拜师学画，如俞致贞受业于于非厂、王叔晖受业于徐燕荪、胡洁青受业于齐白石、李秋君受业于张大千、陈小翠受业于冯超然、陆小曼受业于贺天健、潘志云受业于吴湖帆、江采受业于陈师曾、顾飞受业于黄宾虹等；还有女画家跟丈夫或父亲学画，如潘静淑跟丈夫吴湖帆、傅益瑶跟父亲傅抱石、江圣华跟父亲江寒汀、樊涌芳从父亲樊少云等。新中国成立后，女性的地位得到明显的提高，她们受教育的机会大大增加。国内的美术院校都有女性学生，像周思聪、王迎春等曾就读于中央美术学院，徐乐乐就读于南京艺术学院，徐元清、张迪平就读于上海美术专科学校，张雷平就读于上海戏曲学院舞美系。还有的女画家到国外去学习艺术，如傅益瑶就读于日本武藏野美术大学。所以，无论是拜师学画还是入美术院校学画，都造就了一大批有成就的画家。如何香凝、吴青霞、王叔晖、俞致贞、陆小曼、陈佩秋、谢月媚、潘志云、傅益瑶、马小娟、王玉珏、吴玉梅、王迎春、周思聪、赵豫、徐乐乐、胡宁娜等等。尤值得一提的是：1934年上海还出现过中国历史上第一个由女性自行发起组织的女性艺术家团体，该会有冯文凤、李秋君、陈小翠、顾青瑶、杨雪玖、顾飞等发起成立。期间还举办了书画会展览和出版《中国女子书画会特刊》。此外，据1947年美术《年鉴》记载，有不少知名女画家还授徒，像吴青霞有“篆香阁”，门徒12人；顾青瑶有“绿梅诗屋”，门徒35人；陈小翠有“翠楼”，门徒7人。在绘画艺术上，许多女画家也都有拿手的绝技，如吴青霞的鲤鱼、芦雁，王叔晖和周炼霞的仕女，俞致贞的工笔花卉，陈佩秋的青绿山水，傅益瑶的唐人诗意画等成就很高，她们的作品都是海内外藏家所喜爱的。其中吴青霞的作品在1956年入选在芬兰举行的“世界女子画展”，1984年她的《鲤鱼》、《芦雁》、《仕女》、《松鹤》、《葡萄》五幅作品代表中国参加了“法国国家秋季沙龙”。她还多次在海内外举办了画展，出版画集多部，其小传被列入英国出版的《艺坛名人录》、《世界着名女子传记录》等，她还荣膺意大利欧洲学院院士，为中国赢得了崇高荣誉。傅益瑶则获得日本最高美术奖——“伦雅美术赏”，轰动全日本岛。
而在艺术市场上，女画家的作品市场行情显然不能和男画家分庭抗礼。以近两年的市场行情看，陈佩秋、何香凝、吴青霞、王叔晖、俞致贞、李秋君、周炼霞、陆小曼、陈小翠、胡洁青、方召麟、周思聪、萧淑芳、傅益瑶、潘素、徐乐乐等作品都能在海内外拍卖场上见到，有的市场行情还相当理想。最具代表性的是海派实力派的女画家陈佩秋，她的作品于90年代进入海内外拍卖市场，价格一路走高。记得1993年她的《春谷幽兰》在首届朵云轩拍卖会上以2万元成交，1994年她的《竹鸟》被苏富比拍至1.15 万港元。以后，陈的作品呈稳步攀升之势。1995年她的《春山白云图》被朵云轩以6.82万元卖出。1996年朵云轩又推出陈的两本册页：一本为八开《花果虾蛙册》拍得4.62万元，另一本为十开《春华秋实册》拍得7.7万元。1998年尽管艺术市场受到东南亚金融危机的影响，但陈的作品仍显示出强劲的势头。这一年，她的12开《杂画册》被中国嘉德拍至4.4万元， 她的《翠林短亭图》在朵云轩拍卖会上以14.33万元成交，首次突破了十万元大关。1999 年她的精心之作《春山访友》在朵云轩拍卖会上以22万元成交，再创陈氏作品新高。2000年陈的《翎毛图》四屏和12开《案头小品册》在朵云轩拍卖会上创下12.65万元和7.7万元成交的好成绩。近几年来， 陈的细笔青绿山水异军突起，让人们看到了陈的潜力和后劲。2001年她的《翠峰古寺》（70cm×65cm）在上海敬华拍卖会上以11万元成交。2003年《大地回春》被上海崇源拍至18.7万元。《溪山清远》在2004年苏富比拍卖会上获价78万港元。《黄花青川》在2005年荣宝拍卖会上获价330万元，此作为陈佩秋作品市场最高价。现陈的作品中，以青绿山水精品价格最高，大幅青绿山水价格已在百万以上。此外，陈的书法也有不俗表现，她的《草书》在2001年朵云轩拍卖交易会上以0.46万元成交；《行书古诗2帧》在2005年荣宝拍卖会上以2.2万元拍出；《草书五言诗》在2006年上海崇源拍卖会上获价1.1万元。从目前的市场表现看，当今有不少女书画家的作品走红市场，其中能与男书画家抗衡的，无疑首推海派名家陈佩秋。
而海派老画家吴青霞的作品也不甘落后，2004年她作品价格大幅攀升，过去她的作品价格超过10万元的寥寥无几，而今超过20万元的作品也不少，其中《打渔图》在上海信仁拍卖会上以33万元成交，巨幅《鱼跃图》在北京荣宝拍卖会上以220万元成交，这些佳绩着实为女画家增添光彩。 岭南画派的何香凝历来是市场上热门人物，不过，她的作品在拍卖场上不多。2002年秋季她与傅抱石合作的一幅《赏雪》由于估价过高而流标。2005年《花鸟4屏》在中贸圣佳获价165万元，第一次突破了百万元大关；同年《梅花》立轴在广州艺拍获价50万元；2006年《虎》立轴获价26.4万元；2007年《梅花》在荣宝获价23.1万元。尺寸只有3平方尺，结果被中国嘉德拍至3.08万元，如果按平方尺计，每平方尺高达万元，充分说明了何香凝作品十分坚挺。
仅次于陈佩秋、何香凝的还有周思聪和方召麟的作品，周思聪的作品主要局限在国内市场交易，2006年北京保利推出周的《高原风情19开册》获价99万元，距离百万只差一万；2007年《人物》中国嘉德获价82.88万元，价格相当理想。方召麟是张大千的弟子，她的作品在海外市场上也常有十分惊人之举，1991年她的《世界和平年》在香港苏富比拍卖会上以59.4万港元成交，时隔一年，她的《壮丽河山》在香港苏富比拍卖会上以77万港元拍出。这些佳绩在当时足以抗衡大师级的画家。
至于其他女画家尽管在各地市场上也有成交的纪录，但是价格明显较低，若是作品价格能过10万元，已属相当不错。以笔者之见，在女画家中，笔者十分看好李秋君、周炼霞、陆小曼、陈小翠、王叔晖、俞致贞，尤其是傅益瑶，她是当代着名的旅日着名女画家。生于1947年，为现代国画巨匠傅抱石之女，自幼受其父影响，遵父命而专攻中国文学，1979年底她东渡扶桑求学，1981年4月考入日本武藏野美术大学，取得硕士学位，1983年进入东京艺术大学平山郁夫教授研究室。在日本期间，她将传统水墨画技法和日本画技法有机糅合起来，从而能超脱原有，从事独立创作活动。她的水墨山水画带有浓厚的抒情风格，以激情洋溢的诗人气质，营造笔下的山水世界，散锋皴点山色，灵动飞扬，细腻而又富有层次，色块对比柔和，渐进过渡而不浓烈，色不碍墨，墨不碍色，墨色相得益彰。
由于傅益瑶自幼观父作画，渐通笔墨之道，她早年仿其父的作品可以乱真，为此有些画商曾找上门来出高价买她的画。但是，他们让她把题款写到边上去，这样可以冒充傅抱石先生的画，甚至说：“你画500张，一辈子可以封笔不画，享尽荣华富贵了。”她听后很生气，一张也不画，从此在日本不和画商来往。80年代傅益瑶潜心于中国水墨画的研究和创作，坚持走自己的艺术道路，并以自己独特的个性和气韵受到日本藏家和机构的青睐，许多作品被日本寺院、神社及藏家等珍藏，其中《春夜宴桃李图》曾以2000万日元的价格售出。但是，八九十年代国内藏家对其比较陌生，特别是艺术市场上她的作品亮相不多。步入21世纪后，随着傅益瑶在日本的声誉日隆及中国艺术市场的急剧升温，国内一些知名拍卖行也开始推出傅益瑶的作品，结果她的艺术格调很受各路藏家的欢迎。
此外，李秋君、周炼霞、陈小翠、陆小曼、俞致贞、王叔晖的绘画艺术都是很有特色和题材的。随着我国艺术市场的发展和成熟，市场上已有很多藏家开始关注女画家专题的收藏，相信在各路藏家的青睐下，女画家的作品会上一个台阶，同时，市场也会给投资的藏家以丰厚的回报。

Ⅲ 古典美女国画

有一位是白伯骅，他的画很传神。
白伯骅先生的仕女人物画风格独具，不仅在中国当代画坛突显个性特点，达到雅俗共赏的社会效果，就是将他的创作放进中国漫长的人物画发展历史上看，依旧是个特例，他延续继承传统，但不是刻意拟古不化，与传统画相比，他的画有鲜明的时代审美特征，显得格调清新俊丽，将他的画放在当代画坛上与其他人物画相比较又是古雅的，具备民族文化主流的延续特点。他之所以几十年如一日，一以贯之，打造出自己的风格，被广大的收藏爱好者拥戴，形成准确的白氏仕女人物画风格。他是一个有美术观念，对创作有思考的严肃的画家，风格确立与形成经过了漫长的求索。

还有一位叫薛林兴，他的仕女画作品一问世就极为受宠，从众多外国元首、国际友人到无数平民百姓皆喜欢收藏其作品。美国前总统老布什、英国前首相撒切尔夫人等众多外国政要，来函赞扬他的作品。尤其是上世纪80年代末90年代初，他先后多次到新加坡、日本举办个人画展，在当地美术界引起巨大轰动。一位日本资深美术评论家激情赞叹：“薛林兴先生的画笔将我们引领到神秘而富有诗意的领域深处，引导到仙女的国度、梦幻的境界。”《每日新闻》则赞誉薛林兴的仕女画为“东方的维纳斯”。
多年来，薛林兴创作了近百个古典美人形象。他笔下的杨贵妃，以其“回眸一笑百媚生”的特有魅力，在中国画坛独树一帜。他画的《离骚》中的山鬼，《红楼梦》中的十二钗，传说中的白娘子、嫦娥等，或低眉细吟，或纤体微侧，或敛容凝眸，常常令人击节叫绝。薛林兴创作的人体绘画作品，具有超越油画的东方韵味和神奇的魅力，他也因此成为人体绘画中国画的开拓者之一。

Ⅳ 如何看待当代画家谢楚余的写实女人油画具有清新的写意画风呢

当代画家谢楚余出生于上世纪60年代初，他笔下的油画作品始终比他本人还要有名气，比如，那幅人体油画《陶》曾被模仿盗版了100多万次，在各种商业广告、报刊杂志上以及娱乐场所出现，这样的现象在100多年的油画艺术史上是从没有过的，而谢楚余就开辟了这样的罕见怪异的现象，可见这幅《陶》的名气有多大，甚至人们会认为这是可以和达芬奇的《蒙娜丽莎》相媲美的画作，知名度如此之高，事实上，谢楚余的《陶》无法和达芬奇的《蒙娜丽莎》相提并论，

从油画艺术的“写实”文化层面来讲，当代画家谢楚余写实女人油画充满写意画风，这只是显示谢楚余处理色彩的技巧能力，并没有显示出他对写实油画艺术的领悟认知能力。还要注意的是，谢楚余油画作品中的写意画风，更多的是给人的一种视觉感受，并不是油画画面真的有国画的写意元素，他只是稀释了色彩的纯度，得到的效果，比如，红色有深红、浅红之分。还有就是，谢楚余注重油画女人的轮廓线条的修饰描绘，这和国画线条似乎有“异曲同工之妙”。

Ⅳ 怎么样评论中国画，什么样的中国画才是好的

简单说，一看气韵，二看用笔，三看构图，四看立意，五看师承，六看书风与画是否匹配，七看治印是否精良，八看印章位置是否正确，九看有无书卷气。

详细点：
外表：
初看国画，要欣赏的不是画面如此简单，还要看下列各项是否精美。

画工：
画家的作品，可表现出作者的成就。画面的形象，就是画工的具体， 我们往往主观批评该画的优劣，就是受画工的影响很大。

书法：
中国画和西洋画不同之处，其中一项就是书法。中国画画面上常伴 以诗句，而诗句是画的灵魂，有时一句题诗，如画龙点睛，使画增色不 少。而画中的书法，亦影响画面至大。书法不精的画家，大多不敢题字， 虽然仅具签署，亦可窥其良莠。

印章：
画面上常见的印章有各方面：画家的印鉴，题字者私章，衬托用闲 章，收藏者印章，欣赏者印章，鉴证者印章等。而各种印章的雕工，印 文内容，盖印位置等，都在评价之列。尤其古画，往往有帝皇，名家， 藏家和鉴赏家的印鉴，可佐真伪。

装框：
中国画的装裱更别具一格，常见的有纸，绫两大类。 今呀洗 ，绫 裱较精。裱边的颜色，阔窄，称边，接驳，裱工等，都十分讲究。日本近代的裱工另有风味，对现代的裱画方式具影响力。好的装裱，能把一幅画衬托得更为精美悦目，名贵大方。

框饰：
如用压镜方式将画藏在玻璃框下，其采用的框边质料、颜色、大小对画的美观影响极大。近年北美画家多采用西式框饰代替中式装裱，亦颇有可观。

内涵：
中国人欣赏字画不独欣赏表面工夫，更着重与作品有关和作者个人相互关系。

功力：
从事书画修养越久的人，他表现出的功力，是初学者无法掌握。尤其是书法，老手多苍劲有力，雄浑生姿。在国画方面，其线条，设计， 意境亦表现出作者的工力。所以人生经验丰富的艺术家，其作品往往较年轻画家有不同的表现，这表现就是功力。

布局：
布局看来似是画面的设计，其实是作者胸怀中的天地，从画面布局中表现出来。中国画与西洋画不同的地方甚多，最明显之处就是“留白”。国画传统上不加底色，于是留白甚多，而疏、密、聚、散，成为留白的布局。在留白之处，有人以书法，提诗，盖印等来补白，亦有让其空虚，故从布局中可见作者特到之处。

学养：
工力及布局，可于画面窥其一二，至于作者的学养，对其作品影响至大。故中国有“文人画”之称。着名文人，其作品与众不同者，就是一种“书卷气”。画家与画匠之分别，学养是条件之一。

人品：
西方画家，往往以浪漫不羁，游戏人间为乐。而欣赏者只观其画而不理画家的私德。中国人不同，画家或书家如行为不检，道德败坏，声名狼藉，大奸大恶者，即使其书法美术如何精美，亦无人问津，试问谁家高悬曹操，秦桧等奸臣作品，而岳飞的“还我河山”，孙中山的“天下为公”，成为人尽皆知的好匾额，就是这个原故。

诗句：
字画中的诗文词句，往往代表主人的心声。其一句好诗，亦能表现 作者的内涵和学养。一句好句，亦把书题画龙点睛。最难得的，就是作者能为自己的画面题诗，不抄袭他人旧作，更见特出。至于书法亦然， 抄一首古人诗章，别人看来，只观其字，因为内容不是作者心声，而是古人翻版而已，到底欠缺了作者的灵魂。

印文：
无论字或画，常有“压角”的闲章出现。所谓压角，就是画面或书 法留白的角落。而印上的文字，有时影响字画甚大。从印文中亦可见作 者的心态，或当时的环境。好的印文，配以好的雕刻刀法，盖在字画上，使作品更添光彩。

1.不要用西洋画的法则来批评国画，国画不讲究光线，透视

“例如画庭院深深的光景，则曲廊洞房，尽行表示，好似飞到半空中时所望见的；且又不是一时间所见，却是飞来飞去，飞上飞下，几次所看见的。故中国画的手卷，山水连绵数丈，好像是火车中所见的。中国画的立幅，山水重重叠叠，好像是飞机中所看见的。因为中国人作画同作诗一样，想到哪里，画到哪里，不能受透视法的拘束。所以中国画中有时透视法会弄错。但这弄错并无大碍。我们不可用西洋画的法则来批评中国画。 ”（丰子恺）

2.国画求神似，不很注重形似；所以判断好的国画的标准其一就是：乍一看见有看见实物的那种感觉，表现出了实物的“精神气”，“一望而知其为画”，随意挥洒，披露胸怀。

国画人物，目的只在表出人物的姿态的特点，却不讲人物各部的尺寸与比例。故中国画中的男子，相貌奇古，身首不称。女子则蛾眉樱唇，削肩细腰。倘把这些人物的衣服脱掉，其形可怕。但这非但无妨，却是中国画的好处。中国画欲求印象的强烈，故扩张人物的特点，使男子增雄伟，女子增纤丽，而充分表现其性格。故不用写实法而用象征法。不求形似，而求神似。

所以，好国画还是那个标准，是否给人强烈的印象
中国画重传神，故必删除琐碎而特写其主题，以求印象的强明

我就是画国画的 有问题可以加QQ 可以追问

要能有一手好的鉴赏功夫，是长年累月功夫的积累，而且自己也要画的好，不是简单能学会的，
不然那些评论家吃什么饭啊

总而言之，多练，多画，多看
手打辛苦！选我吧！！

Ⅵ 如何评论\欣赏国画

中国画与西洋画相比有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。

从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。

中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”；观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透机的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。

在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则饨，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造型体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓谈相生相融，做到浓中有淡，淡中有浓；浓要有最浓与次浓，淡要有稍谈与更淡，这都是中国画的灵活用笔之法。由于中国画与书法在工具及运笔方面有许多共同之处，二者结下了不解之缘，古人早有“书画同源”之说。但是二者也存在着差异，书法运笔变化多端，尤其是草书，要胜过绘画，而绘画的用墨丰富多彩，又超过书法。笔墨二字被当做中国画技法的总称，它不仅仅是塑造形象的手段，本身还具有独立的审美价值。

中国画在敷色方面也有自己的讲究，所用颜料多为天然矿物质或动物外壳的粉未，耐风吹日晒，经久不变。敷色方法多为平涂，追求物体固有色的效果，很少光影的变化。

中国画一般特点

要想简明地用几句话回答以上的问题并不容易。传统的中国画具有悠久的历史，适应中国的文化土壤而生根开花，在立意、构图、技法和程式化的表现诸方面，都具有自己的特点，这些特点，也正是目前国画理论家正在讨论总结的问题。这里试举数点。

一、首重立意胸有成竹- -中国画的构思

中国画创作，以立意为先，许多绘画理论家都首先强调这一点，不管是画山水、画人物、还是画花鸟。

唐代张彦远在《历代名画记》中有一段关于"六法"的论述："夫象物必在于形似，形似须全其骨气。骨气形似．皆本于大意而归乎用笔。"他认为立意在完．画中才能有变态、有奇意。

宋代以画梅花着名的华光和尚，法号仲仁，传为华光着作的《画梅指迷》中，有一段"画梅全决"， 开头就是"画梅全决，生意为先"。到了清代的方薰，着有《山静居画论》．在这里也强调了立意与作画之关系，他说："作画必先立意以定位置，意奇则奇，意高则高，意远则远，意深则深，意古则古"。他认为平庸者作画必平庸，俗气者作画也俗气，因为缺乏画家最宝贵的"立意"，所以作品平庸。

意人利文艺复八时期的画家达·芬奇，也有近似的近在他曾说："一个画家应当描绘两件最主要的东西，人和人的思想意图。"这与我国晋代人物画家顾消之所提出的"巧密于精思"是十分一致的。

"意"是从哪里来的？一是画家对现实生活的丰富体察、创作经验的充分积累；另一点便是画家本人的修养，这样在创作之先，画什么，怎么画，在头脑中形成了成熟的构思。

宋代画家文与可，别人称赞他"胸有成竹"，即在他没有落笔画竹之前，头脑中已经有了竹子的形象，在胸中、笔下跃跃欲出，这时便能落笔而就。"'胸有成竹"遂成为我国赞誉善于计划安排事情的成语。

在张彦远提出的"立意"之前，南产时代的谢赫即有'创意"、'明意"之说。创意之画，不落陈套，用意精当，借景以生境，笔少而意多，在这一意义上讲作为一个画家，不仅要在平时注意练笔、锤炼个人的表现技巧，更为重要者，还要认真地加强练意之功。很多习画者，常常只是注意在练笔上下功夫，而忽略了练意，这是值得注意的。

二、以线造型以形传神——中国画的造型规律

中国画是以线存形的，通过线勾出轮廓、质感、体积来。德国的诗人歌德称美术有用光表现得神态活现的那种本领，说明西洋画用光为造型手段之一。但中国画主要是以线为造型之基础，这就使中西绘画在造型手段上有明显之分野，但这并非说西洋画完全排斥用线，而是说光可以作为绘画的主要语言而用于绘画的。法国的罗丹曾经强调过："一根规定的线通贯着大宇宙"，是说造型艺术从宇宙如何分割出来的问题，也并非以此作为绘画的主要表现手段来看待。而中国画无论对山水的破线或是衣服的纹线，都积累了非常丰富的线型，巧妙地描绘着各种形象。
"以形写神"是晋代画家顾恺之的一句名言，从而确立了中国艺术神高于形的美学观。它与纯以抽象性为高的近代欧洲美学观具很大的区别，即画人不仅仅于形似．还要升高于神似，画出人的精神面貌，不停止于外形之模拟，不拘泥于自然之真实，这一论见为艺术家建立起艺术应竭力企求之高度，在这一理论指导下，历代出现许多传神写照的佳作，成为指导绘画的一个重要准则。

三、多点透视 计白当黑——中国画的构图法则

中国画既用焦点透视法，也用散点透视法，既有严守真实的画面空间和布白．也有打破真实按构图需要而平列的空间和布白，这样就使物象在画面出现时，可以按实物在画面上的艺术需要．伸长或缩短变化其形象，更换其位置。一株低于视平线的牡丹花．也可架高于祝平线之上，而取得透视的最佳效果。
中国画在空白处尤其注意经营，常常借用书法上的计白当黑．即没有画面的部位要象有画面的部位一样作认真的推敲和处理。
四、随类赋彩色彩相和- -中国画的色彩法则
中国画的色彩，不拘泥于光源冷暖色调的局限，比较重视物体本身的固有色，而不去强调在特殊光线下的条件色。画那一件物品，就赋予那一件物品的基本色，达到色与物、色与线、色与墨、色与色的调和。

五、情景相生气韵生动- -中国画的意境

中国画要求笔与墨合，情与景合、现实中无限丰富的景象，绘画家以强烈的形象感染力。画家凭借着这种感受，激起描绘这些景象的激情，于是作品作为情景相生的复写而重现，使情景交融在一起。
至于气韵生动，即是画家所创造的艺术灵境，不同于一般的写生画，应成为富有生气，新鲜而活泼，有诗一般的韵味，使观者神往无穷。如果没有表现出如此生动、如此韵味丰富的内涵，当然，就不能给予人这一些感受，而达不到中国画富有引人入胜的意境。

六、诗书画印纸笔- -中国画的独特形式

可以说只有中国画，才有题字盖印的做法，不仅文人画，可以显示其诗、书、画三绝之长，即是一般的画作，也总要题字盖印，这样才有传统艺术的浓厚风味。
题字和诗句，可以提高或补充观者对作品的欣赏和理解，也丰富了构附的变化，起到互相衬映，互为显彰，点缀与平衡构图的多方面作用。
中国画的工具和材料之性能，也决定着中国画的特色。中国画是运用绢和纸作画，特别是生宣纸的出现，更加发挥了笔趣和墨彩。宣纸的渗性，毛笔的尖锥，使得笔锋无穷变化，产生出奇妙的效果。同时形成了各种效法和描法，画法和笔法。

从写生到写意

国画在初学时以临摹作为入门的手段，逐渐地对物写生。再转而对物象写意，不仅粗笔的写意画是如此，就是细致的工笔画，也有其写意的成份。因为中国画在描绘物象时，不管是为工笔或为写意，其处理手法都带有写意性，不是简单复写一遍，而是要得其精而忘其粗，繁其所当繁，而简其所当简，对物象提炼加工的程度较高，不以光色外型的逼真为能事，着重于内在的认识。

根据董其昌的记载，好多着名的山水画家，都是以真山水为稿本进行创作的，如"李思训写海外山，马远夏圭写钱塘山，赵吴兴写营雪山，黄子久写海虞山"。当后人看这些画幅时，感到他们既是在写生，又是在写意；既师法于自然，又不为自然现象所困。拿黄子久的《富春山居图》来看，作者取材于富春山，并不就是富春山的环境地理图，他表现的是黄子久理想化了的境界。

由此说明古代画家对自然界各种物象是如何认识并表现出来，使真实物变为艺术形象，并且逐渐使之规律化、程式化，同时可以看出他们丰富的表现技法。

对照《芥子国画传》及其它画谱，再对照历代画家对这一程式的运用，读者便可以摸到从自然生态变为国画中的艺术形态，如何加工和概括的过程。从中也可理解到从写生到写意的处理加工手法，从技法上掌握中国画的造型特点。

主题突出

明代汪珂玉在《珊瑚纲》中说："古人作画，皆有深意，运思落笔，莫不各有所主"。"所主"也即是主题。主题突出，是艺术创作中的一个共性。一个主题思想形成了，便可决定用何题材去表现，再决定素材之选择，以至确定下作品的标题，采用什么样的表现方法，都要取决于主题表现的是什么。象唐代阎立本的名作《萧翼赚兰亭图》（传），这个故事的曲折情节很多，但阎立本选取的是萧翼的意在"有意、机诈和骗诱"和辩才的出于"无心、善良和受骗"两个典型情节，以突出画中的主题。主题突出在"赚"字上，其他的细节则盯以减略或概括，这是完全符合《法书要录》上对这一事实所作的记述。

在国画创作中，发现了好的题材，并不等手都能突出主题。如只求人物之生动刻划，或求画面之丰富变化，或者平铺直叙，均不能算是突出主题。作者只有从国画艺术的特有规律和表现手法来考虑应该突出什么，要善于按国画形式概括题材，确定主题，把人物的刻划，细节的组织，都用来烘托主题，使观者从画面上叮以不加解释的领会到作画者的意图何在。所以郭熙认为?quot;作画先命题为上品，无题便不成画"。

主题明确了还应给作品取个最恰当的题名，大多数情况下还要题在画面之上。标题要言简意赅，寓有深意，也可以直接地揭示出主题，也可以暗示出主题的含意，以取得画龙点睛之妙。

积累素材

文艺工作者都需要在生活中积累大量的素材。文学家使用的是文字，画家有时也用文字，但主要的是用画笔写生。在画家接触自然界的风景、花卉和人物时，要经常以速写为记录，把观察到的实物用画笔随时收集。象画家齐白石，对于各种小生。的生理结构，都有非常细致的观察和了解，这样做下去，也锻炼了美术工作者观察生活和造型的能力。

鲁迅先生提到过，"作者必须天天到外面或室内练习速写，才有进步。到外面去速写，是最有益的"。

从生活中记录下来的原始材料，如同开采到的矿石，也象是活水的源头，有无限的生动和丰富，比之于拍照片，抄画报得来的素材，亲切而深刻。在深入探索自然风光和人物的实践中，积累大量素材，同时构思新的画题，会引起无穷通思。

题材 体裁

题材不同于素材，素材是未经冶炼的矿石，题材则是从大量的素材中．经过淘沙炼金找出的最适于表达某一主题的材料。如果对素材的选取不精，会使所要表达的内容，失去鲜明性和典型性。

用一个通俗的比喻来解释体裁，好比是量体裁衣，根据不同的体型，来剪裁不同的款式。比如一面大的壁画制作，用一幅小的册页体裁就不适当。又如前面提到的《萧翼赚兰亭》，用人物画的体裁就比较好，而《长江万里图》，当然是用山水画的长卷形式为佳。而各种咏梅的诗意画，则用花卉惊现口为贴切。

在人物、山水、花卉诸种形式和体裁中又分有工笔、写意、重彩、水墨等等的不同。作者当确定画的主题之后，都应从内容出发，跟着就要考虑所要使用的体裁。诸如长幅还是短幅，是用大场面还是用特写之笔。

两个基本功

一、中国画在其形成过程中，有许多的传统表现手法，掌握这些方法，一个经常使用的办法，是；陵墓前人作品和老师的画稿。副脚七画家王石谷，临摹宋元各大家，都有相当造诣，经数十年的临摹和体验，他才感到对青山绿水有了充分的把握，这一点在临摹一章里还要细谈。

二、生活中的丰富环境，是画家最活的画本，画家应在生活中不停地磨练自己，国画家常讲求以造化为师，只有从这个丰富的宝藏中，才能开发出艺术的瑰宝，得到自然界的启示，收集广泛的素材。

两个基本功相辅而行，不可或缺，只临摹前人的稿本，日子长了，失去独自创造的能力，如果只靠写生的东西，则常常失去传统的笔致。

在画家具有了很好的国画临摹基础之后，生活则是最重要的了。清代画家石涛说"笔非生活不神"，关在屋子里瞑思苦想不行，缺点在于离开自己亲自收集来的形象，对人物的性格、精神面貌全无所知，这种形象就会概念化。反之，你在生活中画下最熟悉的人物，一闭上眼，人的精神气质、音容笑貌、都会不呼自出，就会生动得多。

就拿画人来说吧，工人和农民，虽然都是劳动者，而从个性和气质都不相同，这些就需要在生活中默默的研磨才能脱颖而出。画山水花鸟，也同样离不开实地旅行写生和体验。当然作为一个艺术工作者，除了笔墨和生活基础之外，对于人品道德的修养，尤其不可忽视。过去人们常讲的书如其人或者说画如其人，即指一个画家的人品和修养，常常自然流露于笔端。

清，王星在《东庄论画》一书中徽“学画者先贵立品”。清，沈宗春在《齐舟学画编》中说：“笔格之高下，亦如人品”，“心画形而人之邪正分焉”。都足以说明，书画评论家，对画家的艺术水平高低之外，还要全面的分析画家人品道德，只有那品艺仅高的画家才值得人们学习和尊重。

Ⅶ 一幅画好看怎么形容

工笔结构严谨，用笔圆润自如，设色典雅秀逸；写意气旺神畅，笔墨华滋，浑然天成，厚实灵动，相映成趣

此图的画工苍劲有力，此龙显得如此盎然霸气，崴震天下。词意境更是好比天宫玉云，不失为一幅佳作。实属难得！
1、墨笔丹青，如行云流水绕素笺，展瀚海崇山依旧颜，怎一个好字了得。
2、几笔勾勒似云锦，点墨绘出心中情，意境如此赞！
3、山遥水远遗墨间，彼岸花开意连连，行笔走墨书流年。
拓展知识：
中国画，简称“国画”。是我国传统造型艺术之一。从美术史的角度讲，民国前的都统称为古画。国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，在世界美术领域中自成体系。中国画在内容和艺术创作上，体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。主要是用毛笔、软笔或手指，用国画颜色和墨在帛或宣纸上作画的一种中国传统的绘画形式。
中国画大致可分为；人物，山水、界画、花卉、瓜果、翎毛、走兽、虫鱼等画科；有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种。主要运用线条和墨色的变化，以钩、皴、点、染，浓、淡、干、湿，阴、阳、向、背，虚、实、疏、密和留白等表现手法，来描绘物象与经营位置；取景布局，视野宽广，不拘泥于焦点透视。有壁画、屏幛、卷轴、册页、扇面等画幅形式，辅以传统的装裱工艺装璜之。人物画从晚周至汉魏、六朝渐趋成熟。山水、花卉、鸟兽画等至隋唐之际始独立形成画科。五代、两宋流派竞出，水墨画随之盛行，山水画蔚成大科。文人画在宋代已有发展，而至元代大兴，画风趋向写意；明清和近代续有发展，日益侧重达意畅神。在魏晋、南北朝、唐代和明清等时期，先后受到佛教艺术和西方绘画艺术的影响。中国画强调“外师造化，中得心源”，要求“意存笔先，画尽意在”，强调融化物我，创制意境，达到以形写神，形神兼备，气韵生动。

Ⅷ 一幅水墨画画的是后宫的女人们勾心斗角的场面怎么来赞美这幅什么画

作家杨大侠描述，她们是成功的：在勾心斗角、杀机四伏的皇宫，凭着自己的聪明机巧，终达权力巅峰。具有非凡政治才干的她，举重若轻，从容地收拾了势力，成为手握实权的皇太后，开始垂帘听政。

Ⅸ 以评论员的角度针对这绘画作品优点进行评论或谈谈你对这幅绘画作品的审美感受（题目自拟）

审美注意与中国画艺术美要素的关系中国画作品陶冶情操。
1、愉悦耳目,抚慰心灵,其内容和形式所具有的艺术的特殊性,是构成中国画特有艺术美的力量。此画画面整体，气韵生动，简约又有美感，有一种宁静气息扑面而来,使人为之感染。
2、意境幽邃，艺术以境界美为极致,中国画重意象、重写意,强调“天人合一”的精神境界，是笔法干练洒脱、气象峥嵘和诗情的完美结合,此画笔触潇洒，景物关系处理的挺好，这种更高、更美、更理 想的境界在注意稳定性的心理活动中更为微妙、更能打动赏画之人。
3、笔墨悬妙。“骨法用笔”居“六法”论第二,“书法入画”的重要这里不再赘 述,如果画家一旦能驾驭自如成神来之笔,抑扬顿挫,刚柔虚实,生 动的美感形象便会跃然纸上。这样,观众的注意力将会被自然吸引 过来,并能形成注意的稳定性,使其回味无穷,百看不厌,并且内行 往往带着有意注意去品味这些笔墨的趣味。因此,笔墨的作用在审 美注意心理的重要性更是不能低估的。而这幅画很好表现了出来，这种完美的搭配组合将会使一幅中国画 更完美,更能吸引人们的注意力。

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