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⑴ 求圖一張！中國山水畫（國畫）

⑵ 急需，中國畫與西洋畫的區別！！！

中國畫簡稱「國畫」，原來是泛指中國繪畫，是為了區別於明末傳入中國的西畫而出現的概念。解放前稱中國畫為「國畫」、稱中醫為「國醫」、稱中國武術為「國術」、稱京劇為「國劇」、稱廣東音樂為「國樂」，這些冠以「國」字的名稱，解放之後都已改掉，唯有中國畫仍保留「國畫」的名稱（50年代曾一度改稱「彩墨畫」）。

中國畫所用的工具材料和表現方法與西洋畫都有很大的區別，中國畫是用毛筆、墨和礦物、植物顏料在宣紙或絹上作畫，而西洋畫所用的工具材料及畫法與中國畫不同。如油畫是用透明的植物調合顏料，在經過加工的布、紙、板等材料上作畫；版畫不是用手直接畫出來的，而是通過畫稿、刻版、再以版為媒介，經過印刷等三個環節來完成的；水彩畫是利用顏料的透明性，以水色的摻合暈接、滲透、重疊在白紙上作畫；水粉畫則是用水調合膠水、粉質不透明的顏料，在紙上作畫。

中國畫的山水、花鳥往往含有象徵性，例如梅花、松樹象徵不畏嚴寒，頂風冒雪，不屈不撓的斗爭精神。西洋畫風景和靜物畫主要是追求畫面上的美，講究光和色的調和，畫的內容反而居於次要地位。中國畫的景物，不重視、也不描繪物體上的光及色彩變化，而注重景物的神韻，即不重視形似而重視神似，注重「以形傳神」、「形神兼備」。西洋畫受科學法則的制約，即遵照透視學、解剖學和彩色學的原理進行創作。採用焦點透視法，在平面上創造出一個立體空間。而中國畫採用多點透視法，既用散點透視，也用焦點透視。西洋畫在畫面上塗滿色彩，不留空白，而中國畫講究「計白當黑」，很注意空白的經營，使沒有畫面的部位，像有畫面的部位一樣成為整個畫幅不可缺少的內容。中國畫另外一個主要特點是用線造型。線條的作用遠遠超出了塑造形體的要求，成為表達作者思想感情的重要手段。西洋畫家也利用線條塑造形象，但他們更側重於表現形象質感、量感、空間感，線則處於次要地位，離開要表現的形體、結構、明暗等具體內容，線條本身就沒有存在的價值。

中國畫的題跋印章，是中國畫獨有的，也是區別西洋畫的最大特點。中國畫善於將詩、書、畫、印完美地結合在一起，成為一個不可分割的整體，並且通過題款用印來提高或補充觀賞者的鑒賞和理解，還可以豐富畫面的變化，起到互相襯映、點綴與平衡構圖的作用。

隨著西洋畫的傳入，現代的中國畫家在繼承傳統技法的基礎上，不斷吸收外國傳入的繪畫技法——包括素描、油畫、水彩畫等多種技法，大大豐富了傳統中國畫的表現技巧，有的畫家在工具材料上也不斷革新，把西洋畫的技法巧妙地與中國畫的傳統技法融會在一起，無疑是中國畫發展的一個方向。

中國畫的立意

立意即一幅作品主題思想的確立。中國古代畫論中，都強調作畫要「立意為先」，畫中才有變化、有奇意。所謂「意」是指意識、精神。唐代張彥遠論吳道子的畫時說：「意在筆先，畫盡意在，雖筆不周而意周也。」清代方薰在《山靜居論畫》中也談到立意與作畫的關系。他說：「作畫必先立意以定位置，意奇則奇，意高則高，意遠則遠，意深則深，意古則古。」他認為平庸者作畫必平庸，俗氣者作畫也俗氣，因為缺乏畫家最寶貴的「立意」，所以作品平庸俗氣。晉代著名人物畫家顧愷之所提的作畫要「巧密於精思」，也說的是「立意」的重要性。意境、神韻有的簡古，有的奇幻，有的秀美，有的蒼勁，有的雄厚，有的清逸……這些都是先立意後落筆而形成的。至於墨色的濃、淡、焦、潤均可運用自如，表現出畫家的神思妙想和筆情墨趣。

「立意」並非出自畫家的苦思冥想、主觀臆造，而是來源於生活，來源於客觀現實。作為優秀的畫家，除了必須有深厚的功底和文化素養，還必須深入生活。以山水畫為例，若想在尺幅之中畫出泰山黃河之勢，片紙之上能含有秋水長天之遐想，只有以大自然為師。歷史上所有偉大的山水畫家的獨特創造，無不從「師造化」中得來。董源、巨然畫江南山水，荊浩、關全畫中原、太行一帶的高山峻嶺，范寬、郭熙畫終南、太華一帶的高原景色，米家父子畫雨景山水，李成畫平遠寒林等等，都是在獲得充分素材的情況下，再加以分析研究，才能畫出好的作品。五代荊浩提出「搜妙創真」，宋代范寬主張「寫松萬本始得其真」，明代王履畫華山圖並作《華山圖序》說：「余師心、心師目、目師華山。」董其昌的「讀萬卷書，行萬里路」。清代石濤的「搜盡奇峰打草稿」，盛大士說：「詩畫都有江山之助，若局促里門，蹤跡不出百里外，天下名山大川之奇勝，未經寓目，胸襟何由而開拓。」現代繪畫大師齊白石說：「造化天工熟寫真，死拘皴法失形神。」上述歷代名家，無不主張畫家必須「外師造化，中得心源」。強調旅行寫生，收集畫材，開闊視野的重要性。

中國畫的造型

美術作品的造型，通常是以點、線、面、形、色彩、形體、肌理等元素構成視覺形象。而中國畫的造型是以線描為主要手段，尤其是工筆畫都是以線描為先。線描大多用於人物畫、雙勾花鳥畫和勾勒山水畫中的山石、樹木、房屋、車船等。後來又逐漸發展了皴、擦、點、染等多種造型手段，但仍以線描為中國畫造型的基礎。此種方法全憑線的虛實、剛柔、粗細、濃淡來表現物體的質感和變化。例如宋代李公麟的《維摩演教圖》，不僅人物之須發皆現，服飾纖麗工整，維摩身下的簟席及卧榻的雕花，也都勾勒得絲絲入微，用筆嚴謹細致。

線描在中國畫中，不僅利用它來塑造形象，表現形體結構，還可以通過不同的線條給觀賞者不同的感受。例如水平直線能給人以平靜、沉穩、安寧、舒展的感覺；垂直線給人以挺拔、剛毅、尊嚴和具有向下垂或向上升騰的力感。斜線給人以奇突、驚險、傾倒的感覺；幾何曲線給人以呆板、緊張、扭曲和痛苦的感覺；自由曲線給人以自由、活潑、溫柔、愉悅和飄逸的運動感。這些感覺都是由人對現實生活中的視覺經驗與聯想而產生的，是畫家巧妙地運用筆墨變化，創造出蒼勁、秀美、剛硬、柔軟、灑脫、光滑、粗糙、輕飄、沉重、甜潤、苦澀等各種線條，從而表達作者的思想感情。

線描是我國古代畫家通過長期藝術實踐的積累所創造的，從象形文字開始，我國繪畫經過稚拙的原始階段，逐漸發展，由象形符號上升為具有一定藝術水平的獨特藝術風格，後來又經過周、秦漢、六朝逐漸成熟，如東晉顧愷之的「春蠶吐絲」，北齊曹仲達的「曹衣出水」，唐代吳道子的「吳帶當風」……在線的運用上已有相當的成就。南朝美術評論家謝赫在他提出評價中國繪畫的六條標准——即「六法」中，把「骨法用筆」列為第二條。

線描之所以能表現出燦爛多姿的形式、美感，是與用筆分不開的。我國人物畫的藝術形式美之一，主要表現在人物的形體、衣褶、衣飾的處理上。自東晉顧愷之到唐代閻立本、吳道子、韓混、以及宋代諸家都各有自己的線描筆法。「十八描」中的各種名稱，早在唐以前已散見於諸書。它的全部名目見於周履靖的《夷門廣牘》、明代汪玉珂的《珊瑚網》和鄒德中的《繪事指蒙》中，並定為《古今描法十八等》（簡稱為「十八描」）。並成為長期以來傳統線描技法的基本程式。

線描的作用不僅是為用線勾畫輪廓、表現形體，而且要通過寫形來傳神。顧愷之的「以形寫神」論，是我國最早提出繪畫中對形與神的辯證關系作出理論探討的。顧氏的「以形寫神」論，開始用於人物畫，後來又推廣到山水、花鳥畫中運用。他主張神存在於客觀本體的形象之中，神是通過形象表現出來的。沒有形，神則無從寄寓；只有形而無神，猶如有眼無珠，從形到神是萬物的表象到意境的深化。即「神者形之用，形者神之質」。北宋蘇軾說：「論畫以形似，見與兒童鄰」，意思是說這種見識和兒童一樣。北宋人物畫家黃休復說「有氣韻而無形似，則質勝於文；有形似而無氣韻，則華而不實」。

以線傳達形神是以畫家的思想感情為基礎的。不同的時代、環境、身世，不同的藝術修養，即使表現同一事物時，在不同作者筆下的形象、情趣、效果也不盡相同。中國繪畫線描如何傳情達意，這要通過作者運用筆法的疏密、抑揚、節奏以及墨色的濃淡、干濕等變化，從而達到「物我為一」的境地，給觀者以無窮的想像和美的享受。從線描的形式美來說，只有狀物傳情、滲情達意的線條，才具有無窮的生命力和獨特的審美情趣。

唐以後山水畫的創作增多了，線的技法也逐漸豐富起來，於是產生了皴法。皴法就是以連續用筆的復線來表現物體的質感、量感、體感，用以調節線與線之間關系以及某些線條無法表現的內容。皴法過去多用於山水畫。現代寫意人物、花鳥畫，也吸收皴擦的筆法來補充、豐富線的造型。

線條是中國畫的生命線。自古以來中國畫家以線造型的手法，為我國藝術創作提供了豐富多彩的表現技巧，線條對畫家來說，既是畫家的筆法，也是畫家個性和情感抒發的手段，它決定一個畫家的風格，如吳道子的飄逸，李公麟的流暢、渾厚，虛谷的含蓄，趙之謙的豐滿，吳昌碩的古樸等都是以線的勾、皴、擦等手法來表達的。

我國繪畫中的筆墨線條是為特定的立意而創造的，它不僅能表現動感和靜感、力度和韻律感、節奏感，還能達意傳神，因此線的本身具有無窮的活力和審美效能，而且是從生活中來，既反映客觀生活，也表達作者主觀的情感。生活給予筆墨以創造的依據，畫家運用線的功能使筆墨生輝添彩。

中國畫的程式

中國畫歷來重法度，講程式，要求筆墨規范化，自古以來，不斷創造補充和豐富了多種程式。筆有筆法，墨有墨法，畫面的構成、線條的運用、形象的創造、色彩的配置乃至題款、用印都有一定的程式。如人物畫的各種描法，山水畫的各種皴法，花鳥畫的各種點法、勾法，都是歷代畫家經過多年創作實踐，對生活長期的提煉和積淀，總結出的寶貴經驗，而形成優秀的文化傳統，是中華民族的寶貴藝術遺產。當然這種程式並非是僵死的、一成不變的，而是隨著時代的發展和借鑒外來的技法，不斷地改進與創造新的程式，不斷地豐富與發展，使之更加完善，有利於民族藝術的發揚光大，獨樹一幟地立於世界藝術之林。

中國畫的意境創造，首先是作者的生活感受、形象思維、藝術理想等一系列內功的結果。藝術並不是照搬生活，而是經過作者反復提煉、概括、高度的藝術加工，苦心經營、嘔心瀝血、匠心獨運，才有可能創作出耐人尋味的優秀繪畫作品。為了突出主要形象，可以剪裁到一片空白「此處無聲勝有聲」。中國畫往往以少勝多，以空為有，以虛為實，計白當黑，目的是給觀者以再創造的餘地。南宋畫家馬遠、夏圭構圖非常簡潔，善於以簡勝繁，故有「馬一角」、「夏半邊」之稱。例如馬遠在《寒江獨釣》上只畫一葉孤舟、一老翁俯身垂釣，舷邊細勾幾筆有起有伏的淡淡墨線，以示江面，畫面上空疏寂靜，四處不見人跡、舟船，然而馬遠卻「靜」中有動，通過老翁持竿凝神於一線的動態描繪，反襯出周圍自然環境的遼闊渺漠，點染出江上寒意蕭然的氣氛，進而創造出耐人回味的藝術境界。中國畫不重視形象的視覺真實，擺脫時空觀念的限制，去追求表現的自由，中國畫強調客觀把握世界，謂之「以小觀大」。畫家可以把自己的所見、所聞、所知、所想加以集中、概括、綜合成一種宏觀意識，「天地造物，隨其剪裁，陰陽大化，任其分合」。這樣創作出來的作品，既不是特定時空中客觀事物的簡單再現，也不是胡亂拼湊的主觀隨意性的任意發揮，而是客觀世界與主觀情思交融後，構成的超越表象的時空一體的藝術境界，也是中國畫具有高度概括能力的獨特表現方法。

中國畫的種類

中國畫的種類及其主要特徵，是鑒賞中國畫首先需要了解的基本知識。中國畫的門類很多，其區別方法也不相同。如果以題材內容來分，有人物、山水、花鳥三大類；若以表現方法來區別，可分為工筆、寫意、兼工帶寫。寫意又可分為大寫意和小寫意。按照繪畫的社會功能和使用形式的不同，中國畫可以分別列入壁畫、年畫、宣傳畫、連環畫、組畫、單幅畫和插圖之中。如果以作者身份來區分，宮廷職業畫家的作品稱為院體畫，士大夫、文人的作品稱為文人畫（或士大夫畫），畫工畫的作者是以繪畫為專業的民間藝人（又稱丹青師傅）。此外還有用手指畫的指頭畫，用油漆繪成帶有工藝與裝飾性的漆畫，以及界畫、鐵畫、扇面畫等多種，中國畫還有卷軸、冊、屏等多種裝裱形式。

上述各門類、畫種限於篇幅不能一一闡述，只選最常用的主要幾種介紹如下：

工筆，就是運用工整、細致、縝密的技法來描繪對象。工筆又分為工筆白描和工筆重彩兩類。工筆白描就是完全用墨的線條來描繪對象，不塗顏色。白描本來大抵是用來打草稿的，宋代畫家李公麟把它發展成獨立的畫種，他的白描如行雲流水，變化無窮豐富，有很強的表現力。他畫的《五馬圖》，人和馬都用單線勾出，比例准確，肌肉骨骼的結構清楚，甚至馬的毛色所具有的光澤也細致地表現出來，動態極為生動，是古代第一流的白描作品。工筆重彩，就是指工整細密和敷設重色的中國畫。在中國繪畫的早期，工筆重彩佔有主要的地位。湖南長沙馬王堆漢墓發現的帛畫、都是道地的工筆重彩，特別是軑妃墓的T形「非衣」，構圖巧妙，線描精細，設色絢麗，顯示了當時工筆重彩達到了高度的成就。古代繪畫普遍使用丹砂和青綠之類的重彩顏料，因此稱繪畫為「丹青」，由此可見工筆重彩在古代繪畫中的重要地位了。

什麼叫寫意畫呢？這是與工筆畫相對而言的一種畫法。它要求用粗放、簡練的筆墨，畫出對象的形神，來表達作者的意境。據傳唐代的時候，玄宗命令畫家李思訓和吳道子，一起在大同殿描繪嘉陵江的山水。李思訓是擅長工筆重彩的，他用了幾個月的工夫完成這幅壁畫。吳道子則在一天之內就畫成三萬余里的嘉陵山水，這可以想像，他不可能用工筆重彩的技法來畫，一定是比較粗放、簡練的。這說明那時的繪畫已經有了工筆、寫意的區別了。到了宋代，蘇軾提出「士人畫」，主張畫畫「不求形似」，而應寫情寄意，以表達作者主觀的思想感情。他留下的繪畫作品只有一幅《枯木圖》，畫一株枯樹、一塊頑石，石後露出一、二枝竹子，樹下幾根細草。這幅畫抒發他政治上不得意的思想感情，但大書法家卻給以極高的評價，說枝幹「虯屈無端倪」，石「亦怪怪奇奇，如其胸中蟠郁也」。元代以後，筆法簡練、造型生動、酣暢淋漓、講究意趣的寫意畫大盛。這樣，寫意畫就同遵守傳統、恪守法則的工筆畫形成了風格迥異的兩大派，長期地在畫壇上爭相輝映，代代地相傳下來。

不過，長期以來，在畫壇上也存在著一味崇尚寫意畫，蓄意貶低工筆畫的傾向。持有這種偏見的文人畫代表是明代的董其昌。後來有人闡述他的主張，說：「畫有士人之畫，有作家之畫。士人之畫，妙而不必求工；作家之畫，工而未必盡妙。故與其工而不妙，不若妙而不工。」他把文人和作家對立起來，把寫意和工筆對立起來，明顯地表明輕視工筆的態度。這種錯誤思想一直延續到今天，把工筆畫看成是低一等的藝術，甚至一些青年人學畫不從工筆著手，以橫塗豎抹為能事，這是十分錯誤的。

壁畫，中國壁畫的歷史，一定比帛畫還要悠久得多。據歷史記載，自商周到漢唐，壁畫是十分盛行的。那時的宮殿、寺觀、石窟、衙署、學府、旅舍以及墓室的壁上都畫著圖畫。題材包括聖賢、忠烈、現實人物、天地鬼神、山靈海怪以及山水、花鳥、走獸，真是「品類群生」、「曲盡其情」。以後，壁畫也始終是建築裝飾中的重要部分。

我們能看到的壁畫，最早的是秦漢的遺物。洛陽發現的一座西漢墓的壁畫，是用長卷的形式描繪了墓主夫婦升天時的情景。

現存古代壁畫，聞名於世的是敦煌莫高窟壁畫，開創於前秦建元二年（公元366年），歷經北魏、西魏、隋、唐、五代、宋、元諸代。歷朝都有建造，以唐代最盛。現在還有保存著歷史壁畫和雕塑的洞窟四百九十二個，是世界上最大的佛教藝術寶庫之一。其中，以表現佛祖釋迦牟尼前身所謂「捨己救人」為題材的「本生故事」佔有突出地位。如「薩埵那太子本生」的「捨身喂虎」，就是描繪釋迦牟尼的前身——薩埵那太子犧牲自身去喂母虎的故事。薩埵那和他的兩兄弟到山中去出遊，看見一頭母虎因為飢餓准備吞噬小虎，太子滿懷惻隱之心，就自刺身死，投身喂虎。畫面上的太子，閉著眼睛，低著頭，鎮靜地躺在虎口下，像是完全出於自願的慈悲心腸。從這個例子可以看出，壁畫主要是用形象化的方法來宣揚佛教的教義。但是，也有許多作品反映了當時人民的社會生活，如農事、漁獵、營造、推磨、舂米、制陶等。有一幅北魏的《狩獵圖》，畫的就是我國西北地區游牧民族狩獵生活的一個場面。其中一個人躍馬張弓，向撲過來的猛虎射去；另一個人縱馬賓士，追逐一群黃羊似的野獸，畫面中還有其它許多野獸，運動感非常強，氣勢磅礴。敦煌壁畫在藝術上有一個發展的過程，南北朝主要是佛教故事畫，在風格技巧上繼承了兩漢繪畫的傳統，又明顯地吸收了印度佛教美術的特點。到了隋代，外來藝術逐漸被融化為中國風格。到了唐代，敦煌壁畫已發展成高度的典型的具有中國氣派的藝術。唐代敦煌壁畫的主要內容是「經變」，即形象化地宣揚佛經故事。莫高窟就有一百多幅《西方凈土變》。「西方」即指「西方極樂世界」；「凈土」就是清凈的佛國。《西方凈土變》往往場面宏偉，以阿彌陀佛為中心，四周圍繞著大小菩薩。此外還有伎樂、飛天和飛禽走獸、樓台殿閣，呈現出一片花團錦簇、氣象萬千的景象。這幅畫想像力豐富，但實際上是當時等級森嚴的封建制度和地主貴族享樂生活的「變相」反映。

建國以後陸續發現的唐代墓室壁畫，多數在陝西西安附近。李壽、李賢、李重潤、李仙蕙等人的墓中有大量的壁畫，內容包括人物、飛禽、走獸、山水、建築及生活用具。其中最精採的是描繪宮廷人物的作品，它是我們研究唐代的歷史、文化、生活的形象資料。如李仙蕙（永泰公主）墓中的《宮女圖》，從不同角度刻畫了一群宮女的種種神態，著重表現她們豐腴、端莊、豪華、拘謹、寂寥、空虛的外貌和內心特徵。形象優美，結構嚴謹，線條流利，色彩艷麗，在技巧上有很高的水平。

山西芮城永樂宮壁畫是元代的傑作。它是我國保存較好、具有高度藝術水平的古代壁畫。民間傳說「八仙」之一的呂洞賓就生長在這一帶，永樂宮的壁畫是表現眾神朝拜老子及呂洞賓等傳教施法的道教故事。畫在主殿三清殿的《朝元圖》規模最大，庄嚴宏傳，氣勢非凡。全圖分布在大殿四壁，以八個主像為中心，一共畫了二百八十六人，每個人高達三米以上。在這些群像中，主像庄嚴肅穆，玉女溫文秀麗，武士須眉飛動，真人翩翩欲仙，無不真切動人。對浩大行列的描繪，作者巧妙地處理了人物之間的相互呼應關系，有的正視凝神，有的轉身對語，有的左右顧盼，有的側耳傾聽，使之成為一個既統一又有變化的整體。在技巧上繼承並發展了唐宋壁畫的傳統方法，用筆簡練、圓渾、有力；色彩燦爛而沉著，富有裝飾性。另外兩殿有些像連環畫和民間風俗畫，內容具體復雜。在這些壁畫中，留著作者馬君祥父子、朱好古與門人李弘宜、張遵禮等人的題名。這些名人不見史籍的民間畫工，很好地繼承了我國古代繪畫的優秀傳統，並作出重要貢獻！

太平天國的壁畫是十分盛行的。它的內容往往是同革命聯系起來的，可惜大部分已經毀去，現在南京、蘇州等地還有遺跡數十處。南京堂子街的《防江望樓》、江寧方山的《守城圖》、績溪的《攻城圖》、金華的《望樓》，描繪了太平軍攻守時的英勇場面，歌頌了反帝反封建的雄偉氣魄。

兼工帶寫（或稱小寫意）：是工筆、寫意二者兼用的畫法，近些年由於工筆過分細膩、費工，專畫工筆畫的人逐漸減少，很多擅長工筆的畫家，取工筆、寫意兩者之長，改用兼工帶寫作畫。

人物畫：以表現人物形象和事跡為主要題材內容的繪畫，統稱為人物畫。因題材類別不同，又可分為道釋畫、仕女畫、肖像畫、風俗畫以及歷史故事畫。由於表現方法、樣式的區別，又分若干類別。刻畫工細，勾勒著色者稱工筆人物；純用線描或稍加墨染者稱白描人物畫；在以線描勾勒的基礎上施以濃重的顏色，稱為工筆重彩人物；另外以墨為主，略施淡色者稱為工筆淡彩。寫意人物畫是以簡練、概括的筆墨，著重描繪人物意態神韻。如以簡筆人物著稱的宋代人物畫家梁楷，變細筆白描為水墨逸筆，力求單純簡括，「遺貌取神」，其難度大於工筆。

我國人物畫發源最早，據《孔子家語》記載，在周代即有勸善戒惡的歷史人物壁畫，戰國楚墓出土的《人物龍鳳》帛畫是已知最早的獨幅人物畫作品。魏晉、隋唐是人物畫重要的發展時期，如曹不興、顧愷之、陸探微、張僧繇、閻立本、吳道子、張萱、周昉、孫位等都是在中國美術史上對人物畫作出卓越貢獻的重要畫家。五代兩宋時期，由於皇室貴族及文人士大夫積極參加繪畫的實踐和理論研究，開始形成了文人畫的體系。元代的繪畫，由於主流轉入山水和花鳥，人物畫走向衰微。明清人物畫中既有擅長白描人物的陳洪綬，又有華岩、黃慎、羅聘等善畫寫意人物的畫家。晚清「海上三任」（任熊、任薰、任頤）對寫意人物畫的風格和技法又有了新的發展。

山水畫：以描繪自然風景為主體的繪畫稱為山水畫。舉凡名山大川，田野村居，城市園林，歷史名勝，宮殿樓台，舟船車馬，均可入山水畫。若再細分還可分為水墨、青綠、金碧、淺絳等。界畫在十三科中列為「界畫樓台」一科，也有把界畫劃入山水畫支科的。

水墨山水，即是用水墨而不著色所畫的山水畫。水墨山水傳說起源於唐代詩人畫家王維。傳為他寫的《山水訣》中說：「夫畫道之中，水墨為最上，肇自然之性，成造化之功。或咫尺之圖寫百千里之景，東西南北，宛爾目前，春夏秋冬，生於筆下。」即以水墨畫作為表現自然，最能得心應手，最能小中見大，超越時空，作者可以充分揮灑，收到多姿多彩的筆情墨趣，其層次之多和意外之變化，都是任何色彩所難於奏效的。

青綠山水，又可分為大青綠與小青綠兩種。隋代展子虔的《游春圖》被認為是中國最早的青綠山水。唐代李思訓、李昭道父子把青綠山水的格式固定下來。青綠著色重在渲暈得法，薄中見厚，濃中見雅。大青綠所使用的顏料種類比較多，從主要的基調看，以石青、石綠為主色，看去輝煌莊重，有欣欣向榮、草木華滋之感。小青綠主要區別於用墨與青綠敷染的比例大小，小青綠也有在淺絳設色的基礎上，部分施染青綠的。小青綠比較靈活，表現方法漸趨多樣。大青綠要求工整典麗，小青綠可用兼工帶寫，手法輕松活潑，現在多數山水畫家喜歡採用小青綠畫法。

金碧山水：是青綠山水中另一種著色形式，即以石青、石綠為基礎，最後在輪廓處勾金，通過這道金線，像彩繪藻井一樣，把山水畫裝飾得更為絢麗輝煌。在描繪濃艷的夕照晚景，體現出山岩邊際的一層金光，增強日照之氣氛，在突出的山石表面薄罩一層金粉，或用胭脂、白粉烘托艷陽秋色，使青綠與金碧相映生輝。

淺絳山水：是在水墨勾勒皴染的基礎上，敷設以赭石為主色的淡彩山水畫。早在五代時董源的畫跡中已經看到了淺絳山水的開端，到了元代黃子久又繼承了董源之法，才把淺絳設色的格式全面形成。明代沈石田、清代王原祁，都專用這一格調高雅的形式作畫。

界畫：是以表現建築物為其主要內容的畫科，用又長又直又均勻的線條，表現亭台樓閣之類的古典建築。只用手勾線，很難畫直、畫平，必須藉助於界尺，故名為界畫。如宋代郭忠恕，元代王振鵬、李容瑾，明代仇英，清代的袁江、袁耀，都是界畫名手。

花鳥畫：是以動植物為主要描繪對象，並具有鮮明的民族特點的中國傳統畫科。再進一步細分，還可分為花卉、翎毛、蔬果、畜獸、草蟲、鱗介等支科。通過對自然生物的描繪抒發作者的思想感情，體現時代精神，間接反映社會生活，具有較強的抒情性和寓意深刻的內涵。花鳥畫以描繪方法的精細或奔放分為工筆花鳥畫和寫意花鳥畫，由於使用水墨與色彩上的差別，還可分為白描花鳥、水墨花鳥、濃墨花鳥、設色花鳥以及設骨花鳥等。

我國花鳥畫有悠久的歷史，原來花鳥畫依附於裝飾繪畫之中，早在六七千年以前，新石器時代的彩陶器皿上常見的花卉、飛鳥、奔鹿、跳蛙、草木枝葉等各種圖案紋樣，但尚未成為獨立的藝術作品。戰國、秦漢的墓室壁畫、畫像石刻，雖以描繪人物活動為主，仍離不開花木禽鳥作陪襯，如長沙出土的2000多年前的戰國帛畫《人物夔鳳圖》就有龍鳳形象出現。兩漢六朝時，花鳥畫初具規模，美國納爾遜·艾京斯藝術博物館所藏東漢陶倉樓上的壁畫《雙鴉棲樹圖》，是已知最早的獨幅花鳥畫。

花鳥畫正式成為一門獨立的畫科，始於初唐，成熟於五代和兩宋，此時曾出現以西蜀黃筌為代表的宮廷畫家，為適應宮廷的需要，畫風工整細致，富麗堂皇，善作珍禽異卉；在畫院外，南唐徐熙擅長汀花野鳥，用水墨淡彩，富有野趣，為設骨花卉開山鼻祖。因徐、黃二人境遇不同，畫風迥異，故有「黃家富貴、徐家野逸」之說。

元明兩代文人畫興起，徐、黃二體受到沖擊，失去昔日光彩。清初復古空氣籠罩畫壇，宮廷崇尚徐黃，綺麗甜俗，毫無生氣。惲南田宗法徐熙的色粉沒骨，形成柔弱婉約的「常州畫派」；沈銓師黃家勾線填彩，以精密妍麗見長，影響遠及日本。他們雖具功力，卻缺少創新。與此同時，朱耷（八大山人）、石濤異軍突起，八大的水墨花鳥簡括凝練，形象誇張，風格狂怪，構圖新奇；石濤筆墨恣肆，極盡變化，主張「筆墨當隨時代」，強調要有自家的獨特風格。朱、石二人反對摹古，提倡革新，為氣息奄奄的花鳥畫帶來生機，對後世影響很大。「揚州八怪」對筆墨技巧的解放與發展，以及追求藝術個

⑶ 中國畫的主要特徵是什麼

中國畫的特徵

中國畫一般特點

學習中國畫，首先應了解中國畫的特點是什麼，所以這本書就先從這里談起。

要想簡明地用幾句話回答以上的問題並不容易。傳統的中國畫具有悠久的歷史，適應中國的文化土壤而生根開花，在立意、構圖、技法和程式化的表現諸方面，都具有自己的特點，這些特點，也正是目前國畫理論家正在討論總結的問題。這里試舉數點。

一、首重立意胸有成竹- -中國畫的構思

中國畫創作，以立意為先，許多繪畫理論家都首先強調這一點，不管是畫山水、畫人物、還是畫花鳥。

唐代張彥遠在《歷代名畫記》中有一段關於"六法"的論述："夫象物必在於形似，形似須全其骨氣。骨氣形似．皆本於大意而歸乎用筆。"他認為立意在完．畫中才能有變態、有奇意。

宋代以畫梅花著名的華光和尚，法號仲仁，傳為華光著作的《畫梅指迷》中，有一段"畫梅全決"， 開頭就是"畫梅全決，生意為先"。到了清代的方薰，著有《山靜居畫論》．在這里也強調了立意與作畫之關系，他說："作畫必先立意以定位置，意奇則奇，意高則高，意遠則遠，意深則深，意古則古"。他認為平庸者作畫必平庸，俗氣者作畫也俗氣，因為缺乏畫家最寶貴的"立意"，所以作品平庸。

意人利文藝復八時期的畫家達·芬奇，也有近似的近在他曾說："一個畫家應當描繪兩件最主要的東西，人和人的思想意圖。"這與我國晉代人物畫家顧消之所提出的"巧密於精思"是十分一致的。

"意"是從哪裡來的？一是畫家對現實生活的豐富體察、創作經驗的充分積累；另一點便是畫家本人的修養，這樣在創作之先，畫什麼，怎麼畫，在頭腦中形成了成熟的構思。

宋代畫家文與可，別人稱贊他"胸有成竹"，即在他沒有落筆畫竹之前，頭腦中已經有了竹子的形象，在胸中、筆下躍躍欲出，這時便能落筆而就。"'胸有成竹"遂成為我國贊譽善於計劃安排事情的成語。

在張彥遠提出的"立意"之前，南產時代的謝赫即有'創意"、'明意"之說。創意之畫，不落陳套，用意精當，借景以生境，筆少而意多，在這一意義上講作為一個畫家，不僅要在平時注意練筆、錘煉個人的表現技巧，更為重要者，還要認真地加強練意之功。很多習畫者，常常只是注意在練筆上下功夫，而忽略了練意，這是值得注意的。

二、以線造型以形傳神——中國畫的造型規律

中國畫是以線存形的，通過線勾出輪廓、質感、體積來。德國的詩人歌德稱美術有用光表現得神態活現的那種本領，說明西洋畫用光為造型手段之一。但中國畫主要是以線為造型之基礎，這就使中西繪畫在造型手段上有明顯之分野，但這並非說西洋畫完全排斥用線，而是說光可以作為繪畫的主要語言而用於繪畫的。法國的羅丹曾經強調過："一根規定的線通貫著大宇宙"，是說造型藝術從宇宙如何分割出來的問題，也並非以此作為繪畫的主要表現手段來看待。而中國畫無論對山水的破線或是衣服的紋線，都積累了非常豐富的線型，巧妙地描繪著各種形象。
"以形寫神"是晉代畫家顧愷之的一句名言，從而確立了中國藝術神高於形的美學觀。它與純以抽象性為高的近代歐洲美學觀具很大的區別，即畫人不僅僅於形似．還要升高於神似，畫出人的精神面貌，不停止於外形之模擬，不拘泥於自然之真實，這一論見為藝術家建立起藝術應竭力企求之高度，在這一理論指導下，歷代出現許多傳神寫照的佳作，成為指導繪畫的一個重要准則。

三、多點透視 計白當黑——中國畫的構圖法則

中國畫既用焦點透視法，也用散點透視法，既有嚴守真實的畫面空間和布白．也有打破真實按構圖需要而平列的空間和布白，這樣就使物象在畫面出現時，可以按實物在畫面上的藝術需要．伸長或縮短變化其形象，更換其位置。一株低於視平線的牡丹花．也可架高於祝平線之上，而取得透視的最佳效果。
中國畫在空白處尤其注意經營，常常借用書法上的計白當黑．即沒有畫面的部位要象有畫面的部位一樣作認真的推敲和處理。
四、隨類賦彩色彩相和- -中國畫的色彩法則
中國畫的色彩，不拘泥於光源冷暖色調的局限，比較重視物體本身的固有色，而不去強調在特殊光線下的條件色。畫那一件物品，就賦予那一件物品的基本色，達到色與物、色與線、色與墨、色與色的調和。

五、情景相生氣韻生動- -中國畫的意境

中國畫要求筆與墨合，情與景合、現實中無限豐富的景象，繪畫家以強烈的形象感染力。畫家憑借著這種感受，激起描繪這些景象的激情，於是作品作為情景相生的復寫而重現，使情景交融在一起。
至於氣韻生動，即是畫家所創造的藝術靈境，不同於一般的寫生畫，應成為富有生氣，新鮮而活潑，有詩一般的韻味，使觀者神往無窮。如果沒有表現出如此生動、如此韻味豐富的內涵，當然，就不能給予人這一些感受，而達不到中國畫富有引人入勝的意境。

六、詩書畫印紙筆- -中國畫的獨特形式

可以說只有中國畫，才有題字蓋印的做法，不僅文人畫，可以顯示其詩、書、畫三絕之長，即是一般的畫作，也總要題字蓋印，這樣才有傳統藝術的濃厚風味。
題字和詩句，可以提高或補充觀者對作品的欣賞和理解，也豐富了構附的變化，起到互相襯映，互為顯彰，點綴與平衡構圖的多方面作用。
中國畫的工具和材料之性能，也決定著中國畫的特色。中國畫是運用絹和紙作畫，特別是生宣紙的出現，更加發揮了筆趣和墨彩。宣紙的滲性，毛筆的尖錐，使得筆鋒無窮變化，產生出奇妙的效果。同時形成了各種效法和描法，畫法和筆法。

從寫生到寫意

國畫在初學時以臨摹作為入門的手段，逐漸地對物寫生。再轉而對物象寫意，不僅粗筆的寫意畫是如此，就是細致的工筆畫，也有其寫意的成份。因為中國畫在描繪物象時，不管是為工筆或為寫意，其處理手法都帶有寫意性，不是簡單復寫一遍，而是要得其精而忘其粗，繁其所當繁，而簡其所當簡，對物象提煉加工的程度較高，不以光色外型的逼真為能事，著重於內在的認識。

根據董其昌的記載，好多著名的山水畫家，都是以真山水為稿本進行創作的，如"李思訓寫海外山，馬遠夏圭寫錢塘山，趙吳興寫營雪山，黃子久寫海虞山"。當後人看這些畫幅時，感到他們既是在寫生，又是在寫意；既師法於自然，又不為自然現象所困。拿黃子久的《富春山居圖》來看，作者取材於富春山，並不就是富春山的環境地理圖，他表現的是黃子久理想化了的境界。

由此說明古代畫家對自然界各種物象是如何認識並表現出來，使真實物變為藝術形象，並且逐漸使之規律化、程式化，同時可以看出他們豐富的表現技法。

對照《芥子國畫傳》及其它畫譜，再對照歷代畫家對這一程式的運用，讀者便可以摸到從自然生態變為國畫中的藝術形態，如何加工和概括的過程。從中也可理解到從寫生到寫意的處理加工手法，從技法上掌握中國畫的造型特點。

主題突出

明代汪珂玉在《珊瑚綱》中說："古人作畫，皆有深意，運思落筆，莫不各有所主"。"所主"也即是主題。主題突出，是藝術創作中的一個共性。一個主題思想形成了，便可決定用何題材去表現，再決定素材之選擇，以至確定下作品的標題，採用什麼樣的表現方法，都要取決於主題表現的是什麼。象唐代閻立本的名作《蕭翼賺蘭亭圖》（傳），這個故事的曲折情節很多，但閻立本選取的是蕭翼的意在"有意、機詐和騙誘"和辯才的出於"無心、善良和受騙"兩個典型情節，以突出畫中的主題。主題突出在"賺"字上，其他的細節則盯以減略或概括，這是完全符合《法書要錄》上對這一事實所作的記述。

在國畫創作中，發現了好的題材，並不等手都能突出主題。如只求人物之生動刻劃，或求畫面之豐富變化，或者平鋪直敘，均不能算是突出主題。作者只有從國畫藝術的特有規律和表現手法來考慮應該突出什麼，要善於按國畫形式概括題材，確定主題，把人物的刻劃，細節的組織，都用來烘托主題，使觀者從畫面上叮以不加解釋的領會到作畫者的意圖何在。所以郭熙認為?quot;作畫先命題為上品，無題便不成畫"。

主題明確了還應給作品取個最恰當的題名，大多數情況下還要題在畫面之上。標題要言簡意賅，寓有深意，也可以直接地揭示出主題，也可以暗示出主題的含意，以取得畫龍點睛之妙。

積累素材

文藝工作者都需要在生活中積累大量的素材。文學家使用的是文字，畫家有時也用文字，但主要的是用畫筆寫生。在畫家接觸自然界的風景、花卉和人物時，要經常以速寫為記錄，把觀察到的實物用畫筆隨時收集。象畫家齊白石，對於各種小生。的生理結構，都有非常細致的觀察和了解，這樣做下去，也鍛煉了美術工作者觀察生活和造型的能力。

魯迅先生提到過，"作者必須天天到外面或室內練習速寫，才有進步。到外面去速寫，是最有益的"。

從生活中記錄下來的原始材料，如同開採到的礦石，也象是活水的源頭，有無限的生動和豐富，比之於拍照片，抄畫報得來的素材，親切而深刻。在深入探索自然風光和人物的實踐中，積累大量素材，同時構思新的畫題，會引起無窮通思。

題材 體裁

題材不同於素材，素材是未經冶煉的礦石，題材則是從大量的素材中．經過淘沙煉金找出的最適於表達某一主題的材料。如果對素材的選取不精，會使所要表達的內容，失去鮮明性和典型性。

用一個通俗的比喻來解釋體裁，好比是量體裁衣，根據不同的體型，來剪裁不同的款式。比如一面大的壁畫製作，用一幅小的冊頁體裁就不適當。又如前面提到的《蕭翼賺蘭亭》，用人物畫的體裁就比較好，而《長江萬里圖》，當然是用山水畫的長卷形式為佳。而各種詠梅的詩意畫，則用花卉驚現口為貼切。

在人物、山水、花卉諸種形式和體裁中又分有工筆、寫意、重彩、水墨等等的不同。作者當確定畫的主題之後，都應從內容出發，跟著就要考慮所要使用的體裁。諸如長幅還是短幅，是用大場面還是用特寫之筆。

兩個基本功

一、中國畫在其形成過程中，有許多的傳統表現手法，掌握這些方法，一個經常使用的辦法，是；陵墓前人作品和老師的畫稿。副腳七畫家王石谷，臨摹宋元各大家，都有相當造詣，經數十年的臨摹和體驗，他才感到對青山綠水有了充分的把握，這一點在臨摹一章里還要細談。

二、生活中的豐富環境，是畫家最活的畫本，畫家應在生活中不停地磨練自己，國畫家常講求以造化為師，只有從這個豐富的寶藏中，才能開發出藝術的瑰寶，得到自然界的啟示，收集廣泛的素材。

兩個基本功相輔而行，不可或缺，只臨摹前人的稿本，日子長了，失去獨自創造的能力，如果只靠寫生的東西，則常常失去傳統的筆致。

在畫傢具有了很好的國畫臨摹基礎之後，生活則是最重要的了。清代畫家石濤說"筆非生活不神"，關在屋子裡瞑思苦想不行，缺點在於離開自己親自收集來的形象，對人物的性格、精神面貌全無所知，這種形象就會概念化。反之，你在生活中畫下最熟悉的人物，一閉上眼，人的精神氣質、音容笑貌、都會不呼自出，就會生動得多。

就拿畫人來說吧，工人和農民，雖然都是勞動者，而從個性和氣質都不相同，這些就需要在生活中默默的研磨才能脫穎而出。畫山水花鳥，也同樣離不開實地旅行寫生和體驗。當然作為一個藝術工作者，除了筆墨和生活基礎之外，對於人品道德的修養，尤其不可忽視。過去人們常講的書如其人或者說畫如其人，即指一個畫家的人品和修養，常常自然流露於筆端。

清，王星在《東庄論畫》一書中徽「學畫者先貴立品」。清，沈宗春在《齊舟學畫編》中說：「筆格之高下，亦如人品」，「心畫形而人之邪正分焉」。都足以說明，書畫評論家，對畫家的藝術水平高低之外，還要全面的分析畫家人品道德，只有那品藝僅高的畫家才值得人們學習和尊重。
參考資料：http://www.hispeed.com.cn/Forum/ReadPost.asp?PostID=512934

⑷ 國畫人物畫臉部如何著色

臉部著色的 8 種方法列舉如下：

1、上石青時，要有花青做底色，這樣很沉著又很亮。小面積用時，可與淋漓的水墨形成對比，尤其是在墨漬有些亂時。用石色刻畫精緻而具體的服飾，會很好看。

2、上石綠色時，須用赭石做底，也可把石綠調進赭石，效果非常舒服。在小孩、婦女的臉部經常可以用到，畫眼窩、鼻底等凹進去的地方，或在臉的透視狀態下轉過去的部分，適當調進一些石綠，會增強臉部的冷暖對比。

總之，在石綠旁邊最好有些赭石做陪襯，才更加漂亮。

3、上石色時，要等底色八成干時再上。如果太濕，石色易滲到畫面背後，幹了以後色彩很灰，不精神；如果等底色干透再上石色，則顯得枯燥，沒有水氣，所以，上石色一定要把握好時間，以底色潮濕狀為最好時機。

4、在用硃砂前，先用胭脂做底子，方顯精神。但在硃砂旁邊，要有大面積的黑與白的呼應，黑、白、紅在一起是最有分量的色彩配置。當紅色與淡墨色在—起時，則要很慎重，水要經常換，筆要洗凈。

5、赭石是水墨人物國畫中的主要色，可以根據不同人的膚色適當地加進一些花青、石綠、胭脂或墨，但基本上還是赭石調子，只是有冷暖、濃淡之別。選用赭石顏料，最好用赭石膏，先用開水泡一下即可使用。

鉛管裝的赭石色，顆粒太粗，易沉澱，用在臉上著色時要多加小心。

6、白色最好用蛤粉，它與石色、水色都能調和，不易變色，而且有覆蓋力，與淡墨在一起對比顯得非常高雅。但白色與白紙不同，白紙是空間，有深度，而白粉厚於畫面，往前跳，要利用好這一特性。

7、因為白色有覆蓋力，在墨用得不精到、滲化的墨跡對形體的形狀產生副作用時，上一些白粉，能起到彌補的作用。用白色，最忌四周同時出現死墨，這樣顯得枯燥。

因此，在白色旁邊的墨色應有濃淡變化，同時還要考慮到白色與空白的呼應。用大面積白色時(不帶有改錯性質)，可以從反面上色，這樣既不破壞前面的筆觸，又可使畫面豐富。

8、在各種顏色中，最難用的是朱磦、洋紅。這些顏色太飄，不沉著，很難與墨協調，用時必須多加小心。黃色雖漂亮，但用時也要慎重，因為這種顏色太跳，盡量不要單獨使用，司根據對象調入一些其他顏色，使其老澀些，這樣效果會好些。

⑸ 國畫畫鳳凰怎麼畫

鳳凰是中國古代人們圖騰的一種吉祥物，特點是將孔雀和雞的特點融合在一起，形成這么一種動物，至於畫法你可以參照禽類動物的畫法。首先用工筆畫白描，畫出輪廓，動態，然後刻畫細節，最後著色，可用分層著色，熏染法。

⑹ 國畫壽星圖片

張硯鈞畫壽星

⑺ 童年的水墨畫分別是什麼圖

《童年的水墨畫》採用詩歌的體裁，

描繪了三幅童年生活的場景，

分別是溪邊釣魚 、江上戲水、林中采蘑菇。

這三幅水墨畫表現了童年生活的歡樂和有趣。

⑻ 哪些網頁有古裝美女圖片（國畫），我要看水墨畫的美女圖，不要那種電腦繪畫的。

www.nipic.com 昵圖網 搜「國畫人物」，在裡面仔細挑一挑

⑼ 請問哪裡可以下載中國畫火車第一人王忠良的火車畫！可以做壁紙的那種！

中國畫火車第一人 王忠良圖說火車 中國內燃機車 提到火車,我們總能聯想到它那呼嘯而過的身影和地動山搖般的聲響,並對這種鋼鐵怪物敬而畏之。

⑽ 中國畫和西洋畫有什麼不同

一、性質不同

1、西洋畫：用油質顏料在布、木板或厚紙板上畫成。

2、中國畫：畫在絹、宣紙、帛上並加以裝裱的卷軸畫。

二、起源不同

1、西洋畫起源：最早起源於歐洲，大約15世紀時由荷蘭人發明的。

2、中國畫起源：起源於漢代，漢朝人認為中國是居天地之中者，所以稱為中國，將中國的繪畫稱為「中國畫」。

三、注重點不同

1、西洋畫注重點：

（1）西洋畫線條都不顯著，所以西洋畫很像實物。

（2）西洋畫注重透視法；

（3）西洋畫很注重背景；

（4）西洋畫題材以人物為主；

（5）西洋畫用硬筆。

2、中國畫注重點：

（1）中國畫盛用線條，線條大都不是物象所原有的，是畫家用以代表兩物象的境界，中國畫不像實物；

（2）中國畫不注重透視法；

（3）中國畫不注重背景；

（4）中國畫題材以自然為主；

（5）中國畫用毛筆、軟筆或者手指。

四、特點不同

1、西洋畫特點：

油畫顏料色彩豐富鮮艷，能夠充分表現物體的質感，使所描繪的物體逼真可信，具有很強的藝術表現力。同時，油畫顏料覆蓋面強，易於修改，為藝術家的藝術創作提供了便利條件。

西方繪畫的審美趣味在於真與美。西方繪畫追求對象與環境的真實性。為了達到逼真的藝術效果，注重比例、明暗、解剖、色彩等科學原則，以光學、幾何學、解剖學、色度學等為科學基礎。

2、中國畫特點：

中國畫在觀察認識、形象塑造和表現手法上，體現了中華民族傳統的哲學觀念和美學。在對客觀事物的觀察和理解中，它採取了從大到小、從大到小的方法，在其活動中觀察和理解客觀事物，甚至直接參與事物，但不參與，而不是做局外觀，或局限在某個固定點上。

它滲透到人們的社會意識中，使繪畫具有「千載寂寥，披圖可鑒」的認識作用，又起到「惡以誡世，善以示後」的教育作用。